Categoría: Entrevistas

Cromo: «Sabemos quiénes somos y lo que queremos»

Junto a bandas como Volga, Yakuzza, Haren, Yugoslavia, Barrio Dinamita, Decadencia o Estrago, Cromo forman parte de la actual escena punk del sureste peninsular, tomando el relevo de otras como Nueva Generación, Sabotaje o Tumefactum, que durante la década pasada marcaron el camino y de las que Vane, Manu y Guille formaron parte por separado. En funcionamiento desde 2019, con la idea de hacer del punk algo más sencillo que costumbre, se han convertido en una banda habitual en salas y espacios autogestionados de todo el estado. La fórmula es sencilla, a pesar de las circunstancias: tranquilidad, amistad y sensatez.

Acabáis de publicar una nueva canción. Según los planes anunciados, esto es un adelanto de vuestro primer LP. ¿Hay ya una fecha, aunque sea aproximada, para marcar en nuestro calendario?
Aún no tenemos una fecha exacta, depende de varios factores y algunos de ellos no dependen enteramente de nosotras. Hace unos pocos días hemos acabado de grabarlo, por lo que creemos y queremos que sea para este otoño. Octubre sería lo ideal. De todas formas si esto no sucede así, será poco más adelante.

Seguís trabajando con Grabaciones Vistabella al menos en el formato digital, pero ahora que toca publicar un disco en formato físico, imagino que os habrá tocado embarcar a unos cuantos sellos para la edición, como es costumbre en estos tiempos y como ya ocurrió con el 7″. ¿Podemos saber a cargo de que sellos correrá la publicación de este próximo LP?
A día de hoy tenemos bastante claro como nos gustaría editar la edición en físico, hemos iniciado algunas conversaciones, pero no tenemos nada cerrado de momento.

Este nuevo tema viene presentado por un videoclip animado realizado por Sr. Kruel, quien ya os hizo por iniciativa propia un vídeo de una canción de vuestro 7″. Me gustaría que nos contarais algo más sobre este asunto y en general sobre vuestra relación con la escena underground de ilustradores de nuestra tierra, porque también habéis trabajado con gente como Rata Satán o Nasty Franky…
Con todos ellos nos une una relación de amistad, además de que son unas máquinas en lo suyo. Su trabajo nos flipa y es completamente compatible con la banda.
Sr. Kruel ya nos sorprendió con el clip de ‘Aprieta el botón’ y ahora hemos preparado ‘El Hombre que vivió como un gusano’.
Se ha currado un pedazo de vídeo que nos reafirma en que era una movida de la que se tenía que encargar él. Ha sabido captar al vuelo lo que queríamos transmitir con el tema y estamos muy contentos con el resultado.

Como con ‘En otro lugar’, habéis grabado con Marco Velasco en El Miradoor. ¿Qué os aporta trabajar en un entorno como el de este estudio a nivel creativo?
Nos gusta mucho ir para allá por la comodidad y la naturalidad con la que se hace el proceso de grabación. Aunque acudimos a El Miradoor con los temas muy trabajados y perfilados a nivel creativo, allí todo son facilidades. Trabajar con Marco es muy sencillo, ya que está bastante pendiente de todo el proceso de grabación, aportando de forma muy natural cuando es necesario.
Además, el estudio está en un entorno bastante guapo, que te permite desconectar de la grabación ya sea pegándote unos largos en la piscina, tomándote unas birras o echándote una partida al Street Fighter.
Al final la suma de todo esto se refleja en el resultado final.

Entre el 7″ y este LP, también grabasteis algunas canciones en formato analógico con Pablo Ruiz, otro productor de referencia en la actualidad en nuestra escena punk, a los mandos (una propia y una versión de Parálisis Permanente). ¿Formarán parte de este LP o se quedarán en edición digital exclusivamente? ¿Qué tal la experiencia de grabar en este formato?
Eso de momento se quedará en digital, aunque sí hemos regrabado un tema de esa sesión que no se llegó a editar. La experiencia fue bastante guay.
Pablo por esa época no tenía sitio fijo para el estudio y con la suerte de ser vecinos de local de ensayo nos montamos un buen chiringuito para sacar los temas adelante. Es otro tío bastante máquina que nos pilló al vuelo y se curra muy chill con él.

Hablando de versiones, en los extraños tiempos de la pandemia sorprendisteis en redes sociales con una versión de Ataque de caspa, que aunque era habitual en vuestro repertorio, en este caso venía presentada con un giro estilístico y algún cambio de roles. ¿Os habéis planteado repetir con otras canciones que se alejen del formato de trío power punk?
Es una cosa que sí hemos hablado alguna vez y que nos gustaría hacer. Lo que pasa que al final el tiempo que podemos dedicar a la banda es el que es y tenemos que priorizar.

Desde hace un tiempo no vivís en la misma ciudad y decís que eso hace que todo vaya más despacio. A pesar de ello, estáis haciendo prácticamente un concierto al mes y por lugares de toda la península, que no es poco precisamente. Supongo que aquello de tomarse las cosas con tranquilidad y hacer el punk más sencillo que de costumbre como filosofía ayuda a que las cosas fluyan mejor…
También ayuda mucho tener las cosas claras. Sabemos quiénes somos: tres colegas; sabemos lo que queremos: pasarlo bien; y también sabemos cómo: haciendo algo decente y sin palmar pasta o el mínimo posible. Es verdad que el ritmo ahora es más tranquilo, aunque de puertas para afuera no se note tanto. Pero sí que hay muchas cosas que nos gustaría hacer y estamos diciendo que no porque es físicamente imposible.

El próximo viernes vais a compartir escenario con Oki Moki, grupo al que os he visto elogiar en redes sociales de forma recurrente. Aprovecho la ocasión para una de las preguntas clásicas de este sitio: ¿Qué grupos actuales os gustaría recomendar para quien quiera tomar nota?
Guille: Sin dar más vueltas, dos que he visto hace poco en directo: MIAU! y Enemic Interior.
Manu: Ternura y el que estoy escuchando ahora mismo, Dark Thoughts.
Vane: Miss España, Colisión y Decadencia.

El concierto es en Kasablanka, un espacio muy necesario, más si cabe tras la pérdida de El Retal. Personal y creativamente, ¿cómo os ha influenciado la existencia de espacios autogestionados como estos y el DIY?
Básicamente podemos decir que somos quienes somos y nuestros proyectos funcionan como funcionan en base a filosofías y espacios como estos. Con Cromo nos lo propusieron varias veces, pero por fechas nunca pudimos tocar en El Retal. Una pena, la verdad…
Los tres hemos tocado y participado con otras movidas en este espacio. Nos parece una pérdida bastante grande a nivel político y cultural en la Región. El único consuelo es que quedan lugares como Kasablanka.

En el pasado habéis formado parte dede  bandas como Nueva generación, Sabotaje o Tumefactum. Quizás sea mi percepción, pero para mí estás bandas y sus inicios fueron, para el underground local, como una máquina que desbroza los caminos. ¿Qué recuerdo guardáis de aquellos años?
Esa combinación de bandas junto a muchas otras que surgieron en ese momento, junto a la actividad del Retal y el esfuerzo de muchas personas más, fueron importantes para revitalizar una etapa bastante guay en Murcia que aún continúa.
Recuerdos, bastante buenos todos, pero sobre todo pudimos crear una red muy efectiva y sólida fuera de Murcia que en algunos casos llega a lo personal.

Para terminar, algo importante: ¿Sabéis si ahora mismo está abierto el bar de enfrente de la iglesia? Es para un amigo…
No lo sabemos seguro, pero sí que a partir de las 19 horas da sombra en la terraza.

Cromo estarán actuando próximamente en:
MURCIA @ CSO Kasablanka. Viernes 28 de abril. + Oki Moki
MADRID @ Sala Starving. TurboJugend Madrid Party Vol. 4. Sábado 20 de mayo. + Zoketes

Salva Alambre: «Si no tienes canción, no tienes nada»

‘Más allá de lo razonable’ (Repetidor, 2023) es el tercer disco en solitario de Salva Alambre y una nueva vuelta de tuerca en su particular discurso sonoro. Como buen disidente, Salva siempre marca su propio camino, sin someterse a tendencia alguna, y consigue sorprender en cada nuevo giro creativo. Como el de este nuevo álbum, grabado nuevamente con Marco A. Velasco en los estudios El Miradoor y realizado exclusivamente a partir del uso de voces, tratadas, manipuladas y estiradas de forma extrema hasta conseguir resultados inverosímiles.

Foto: Nino García

Aparte del «apellido», ¿qué queda de Los Alambres en este proyecto en solitario? ¿Las referencias musicales? ¿La actitud? En lo que seguro que no coinciden ambas etapas es en la prolificidad, en apenas cinco años has publicado tres discos como Salva Alambre…
El apellido evidentemente lo heredé de los Alambres, grupo con el que saqué un LP, un EP y un split, aparte de varias canciones en recopilatorios. Así que, aunque no fuimos prolíficos, tampoco fuimos tan pasotas como la gente cuenta por ahí. Cuando empecé a plantearme sacar algo en solitario no me calenté mucho la cabeza con el nombre y pensé que Salva Alambre estaba bien, recordando a algunos de mis referentes como Richard Hell, James Chance o Johnny Ramone. Hoy no estoy tan seguro de lo acertado del nombre, pero ya da igual. Las referencias musicales, por lógica, han ido cambiando con el tiempo, porque uno no escucha siempre lo mismo, pero creo que en la actitud no he cambiado demasiado. Para mí la canción está siempre por encima de la guitarra que has empleado o el estudio en el que has grabado. A veces he escuchado conversaciones en las que tal o cual músico se tira el pisto del gran estudio al que ha ido a grabar o del renombrado productor al que ha contratado y yo pienso: “vale, eres como ese funcionario que se gasta 5000 € en una bicicleta para salir algún fin de semana con otros merluzos como él”. La producción y los instrumentos solo pueden ser un medio para captar la canción. Si no tienes canción, no tienes nada.

Tienes por costumbre publicar singles independientes como lanzamiento previo a cada disco, con canciones que luego no se incluyen en los álbumes correspondientes. ¿A qué se debe esta maniobra? ¿Se trata de descartes del disco al que preceden?
Lo de los singles me lo pide el sello en el que estoy (Repetidor), porque ellos funcionan así en cuestiones de lanzamientos. A mí me viene bien, porque siempre hay alguna canción que no termino de ver en el disco y que puede funcionar bien estando suelta. Eso pasó con ‘La nube’, que resultaba demasiado folkie para entrar en el nuevo álbum, aunque también formaba parte de las sesiones. Así que pensé que sería un bonito adelanto. A veces también hay alguna otra canción que desecho y entierro para siempre porque simplemente es un intento fallido.

Si ya es difícil encontrar un sello que se interese por editar tu música cuando te decantas por la experimental, más aún es lograr que la relación con estos sea duradera y tú llevas ya tres discos con Repetidor. Cuéntanos algo más sobre esta unión…
Sí, supongo que no es fácil encontrar sello y mucho menos haciendo algo que está en tierra de nadie. Me siento afortunado y agradecido porque haciendo en todo momento lo que me ha venido en gana alguien ha apostado por sacarlo. A Repetidor siempre le ha parecido perfecto todo lo que he presentado y siempre me ha dado libertad absoluta. Es un sello de orientación libertaria, como yo, por lo que nos entendemos a la perfección. Su labor es más la de gestionar la fabricación del vinilo, organizar la publicación y asegurarse de que toda la parte técnica vaya bien, aparte del apoyo moral que siempre da.

Aparte de tus discos y singles, en 2021 publicaste un remix de Roldán. ¿Es algo que te hayas planteado hacer con más frecuencia?
No, no creo que lo vuelva a hacer. Remezclar la música de otros no es lo mío. Aunque creo que el resultado no fue malo, prefiero partir de cero a trabajar con materiales previos.

Centrémonos ya en el nuevo disco, empezando por la portada, que es creación de Ana Galvañ. Aparte de ser una obra muy llamativa en sí misma, de una artista con un estilo muy reconocible, creo que encaja a la perfección con un disco en el que se combinan la sensación de desconcierto con la de atracción irracional. Tú mismo dices que es un diseño perfecto para un disco que habla de la utopía. ¿Nos puedes contar algo más al respecto?
Sí, la portada de Ana Galvañ va perfectamente con el espíritu del disco. Ya cuando estaba grabándolo fantaseaba con que ella hiciese la portada, pero me daba corte pedírselo, porque no tenía mucha confianza con ella y sabía que tiene numerosos encargos. Al final me armé de valor y se lo propuse. Ella se implicó a tope desde el principio, le pasé las canciones y letras que estaban más avanzadas, fuimos hablando del proyecto y con total libertad hizo esta maravilla de cubierta. Y además he ganado una gran amiga por el camino.

‘Más allá de lo razonable’ es «un álbum hecho a partir del uso exclusivo de voces para la composición musical y la construcción del sonido». ¿Cómo surge la idea de hacer un disco así y cómo ha sido el proceso creativo y de grabación respecto a otros discos tuyos previos hechos de forma más convencional?
Bueno, la idea del disco surge, en parte, de una broma. Muchos de mis amigos me han dicho siempre que cantaba fatal, así que pensé en demostrarles que, una de dos, o bien en el siglo XXI cualquiera puede hacer un disco vocal a través de la tecnología, o bien tampoco canto tan mal. Aparte de eso, en este disco he aprendido mucho en cuanto a producción y tratamiento del sonido. Los samplers actuales están a años luz de los de hace 15 años y hay toda una variedad de software que te permite hacer lo que quieras por midi, desde tocar un punteo de guitarra cargando una voz hasta generar armónicos irreconocibles. Creo que este ha sido el disco que más he disfrutado grabando.

Este disco, como los dos anteriores, fue grabado en el estudio El Miradoor de Alhama de Murcia con Marco A. Velasco. ¿En qué medida trabajar en un entorno como este y con alguien como Marco te ha ayudado a crear y experimentar con todas estas nuevas formas de expresión musical?
Grabar con Marco es siempre un placer para mí, porque tenemos mucha confianza y nos entendemos muy bien. Marco es el único ingeniero de sonido que conozco al que podría decirle: “quiero que grabes este euro que voy a lanzar al suelo y que suene en re”. Levantaría los ojos pidiendo asistencia al cielo, pero lo conseguiría y sonaría bien, así que tengo fe ciega en él. El entorno de El Miradoor es además una maravilla de lugar.

Has contado con un buen número de colaboraciones en esta grabación. ¿Por qué no nos cuentas tú mismo en qué consisten estas y en qué modo estaban planificadas de antemano o no?
Lo de las colaboraciones fue surgiendo sobre la marcha. Grabar un disco entero solo con voces puede llegar a ser claustrofóbico y tampoco quería que sonase todo el rato mi voz, así que lo mejor era abrirse a otras perspectivas con artistas a los que conozco y admiro. Con cada uno de ellos fue diferente. Con Susana López nos fuimos pasando pistas de voz cada vez más tratadas, como en un partido de tenis, y finalmente las montamos en el estudio de Marco una tarde, dando como resultado ‘Análisis de un conjuro’. Alejandro Martínez (Alexanderplatz) metió unas guitarras midi cargadas con voz que han quedado fantásticas en ‘Una noche más’. Yago García (Perapertú) pasó algunas pistas por el inconfundible filtro de su antiguo MS-20 también en ‘Una noche más’. Paula Sal (Pau from Marc) cantó conmigo la parte principal de ‘Vivimos en un bosque’ y su voz le da un toque más cálido a la canción. Y finalmente, Nino García (Cherry) hizo de mi alter ego, con réplicas y coros de trapecista, experimentado en varias de las canciones. Como ves, he tenido un apoyo de altura en las colaboraciones y estoy muy contento con ellas.

En directo presentas tus canciones en formato dúo, acompañado sobre el escenario por Fuli García. ¿De qué modo trasladas a un concierto tu forma actual de componer exclusivamente con voces? ¿Requiere de grandes adaptaciones?
Si quieres que te sea sincero, el directo siempre me ha quedado un poco grande. No me siento muy cómodo en concierto y entiendo que ver a un tipo apretando botones y haciendo arreglos de sinte no es lo más emocionante del mundo. Al fin y al cabo, yo vengo del rock. Por eso cuando empecé a tocar con Fuli García, ‘The Man-machine’, y vi que podía seguir con sus percusiones a las máquinas como si fuesen sus criaturas, vi el cielo abierto porque ahora sí hay una sensación de grupo, de interacción entre personas y tecnología. Y para las canciones del nuevo disco decidimos que la gracia era que en directo también se respetase la premisa de que todo lo que sonase fuesen voces. Así que hicimos algún arreglo, adaptamos alguna cosa y las agrupamos al principio, de modo que nuestro directo tiene actualmente dos fases: la del nuevo disco, cuyos sonidos son siempre voces y la del resto del repertorio en la que usamos otros tipos de samplers y sintes.

Hablando de directo, incluso antes de haberse publicado el disco ya hicisteis unas cuantas actuaciones. Cerremos la entrevista hablando de estos bolos, de la acogida de las nuevas canciones por parte del público y de los conciertos que vienen. Lo que se pueda contar…
Sí, a principios de año estuvimos en Barcelona y Valencia, y hace unas semanas en Madrid. La acogida creo que está siendo buena, si tenemos en cuenta el tamaño de la frikada. En Madrid nos llevamos una grata sorpresa ante la cantidad de gente que vino al concierto. Por otro lado, tenemos fechas cerradas y por cerrar a lo largo de la primavera. Aparte del próximo concierto en Murcia el 11 de marzo con Veta, que organiza la muy ilustre Lonja Negra, estaremos en Salamanca, Galicia, de nuevo Madrid y Guadalajara. Ahora se trata de mover el disco y echarse a la carretera. ¡Salud!

Decadencia: «La autogestión es una herramienta necesaria para el desarrollo personal y creativo»

17 de diciembre de 2022. El Retal. Acaban de tocar Volga. Decadencia se acomodan sobre el escenario. Prueban sus instrumentos y pedales, chequean la voz. Es la primera actuación de la banda, para la mayor parte de la formación es incluso su primer concierto, y aunque el ambiente es amable y el público se muestra predispuesto, se percibe cierta intranquilidad. Hasta que arranca la primera canción, que la gente se vuelve loca y empieza a bailar como si no hubiera mañana. La comunión entre grupo y público es inmediata, todo fluye y cualquier atisbo de nerviosismo se disipa de golpe, ocupando su lugar la emoción y el gozo durante los 20 minutos que dura el directo. Y por poder ser testigo de estas situaciones siempre sentiré apego por la escena punk y la autogestión.

Habéis grabado recientemente vuestras primeras canciones, con Pablo Ruiz en Intergaláctico Estudio. ¿Qué nos podéis contar sobre esta primera grabación? ¿Cuándo y en qué formato se podrá escuchar?
Para algunas de nosotras era nuestra primera vez en un estudio. Bueno, para todxs menos para Abraham (bajista). Tenemos a varixs colegas en grupos que habían grabado con Pablo y escuchando los trabajos de Estrago y Cromo, decidimos ponernos en contacto con él. La forma de trabajar que tiene encaja bastante con la idea que buscábamos para una primera maqueta. Principalmente queríamos grabar en directo, para ser lo más fieles posible a lo que se puede encontrar la gente cuando viene a uno de nuestros conciertos. La verdad es que nos encontramos muy cómodas con él, fue todo fluido desde el principio y hubo mucha complicidad.
Respecto a la segunda pregunta, podemos confirmar que saldrá este mismo viernes 24 de febrero en Bandcamp y más adelante queremos editarlo en formato físico, concretamente en cassette.

Sois de la Vega Baja y de Alicante. Por aquí siempre hemos tenido aprecio por la escena hardcore punk de aquella zona, por bandas como Crayfish, Fuerza de Lucha o Weight of Government. Aparte de vuestra banda o Barrio Dinamita, con quien compartís un componente, ¿de qué grupos debemos estar al tanto en este ámbito?
Sí, en la Vega Baja y Alicante ha habido una escena muy interesante de hardcore punk y otros estilos. Todo muy hermanado. Grupos como los que has nombrado y también otros como Una Vida, Zombies & Diamonds, Lodo, Una Idea, etc. que siguen influenciando a nuevas bandas como a nosotras. Si nos hablas de grupos de los que debemos de estar al tanto, nos molaría nombrar a Volga, Estrago, Néboas, Virgen… Son grupos amigos y compañerxs, muy interesantes.

Hablando de escena y sin limitarnos geográficamente, ¿con qué bandas actuales os sentís una identificación ya sea por estilo, actitud o mensaje?
Somos un grupo diverso, cada unx tiene sus referencias, sonidos, géneros preferidos, en ámbito estatal e internacional (USA, UK principalmente), desde lo más clásico del hardcore como Minor Threat, Bad Brains, Slapshot… hasta bandas actuales de nueva y vieja escuela rollo The Flex, Gel, Violent Reaction, Exit Order… El hilo que nos une es el hardcore pero también nos molan otros estilos como el Oi!, postpunk, etc.
Nos sentimos bastante identificadas con Ternura, una banda de Bilbao que ha salido también ahora y acaban de publicar su primer trabajo. Conocemos a algunxs de sus componentes y tenemos una forma de entender el D.I.Y muy parecida. Los mensajes que transmiten en sus canciones son muy potentes y la forma de cantar de Celi es una pasada.
También con Bajo Control de Madrid, aunque a ellxs no lxs conocemos personalmente. Han compartido varias veces nuestras publicaciones y eso nos ayuda bastante a las bandas pequeñas a llegar a más gente. Se lo agradecemos muchísimo. Coincidimos en un concierto en la Residencia de Valencia y aunque en ese momento no nos reconocimos, luego por redes estuvimos hablando y hemos sentido mucha complicidad con ellxs. Ojalá volvamos a coincidir pronto y podamos hacer algo juntas.

¿Qué ha supuesto, tanto individualmente como a nivel de banda, creativa y personalmente, la autogestión en vuestras vidas?
Nos sentimos identificados con la autogestión porque es una herramienta que te permite hacer cosas por ti mismx, sin depender de nadie. Consideramos que es muy necesaria, que ayuda a poder desarrollarte como persona, porque te permite crear y hacer sin caer en jerarquías, con horizontalidad y financiarte con los medios que tienes. Por eso perder un espacio autogestionado como El Retal ha sido un golpe muy duro. Hemos estado infinidad de veces con nuestrxs amigxs en talleres, charlas, conciertos… compartiendo experiencias súper bonitas. Nuestro primer concierto fue aquí y eso es algo que vamos a llevar grabado siempre en nuestro corazón porque fue una noche brutal. No esperábamos que fuera tanta peña y la verdad es que lo dieron todo en el pogo.
Y además, siempre estaban dispuestxs a recibir propuestas y hacer todo lo posible para ayudarte a realizarlas. Hemos organizado varios conciertos aquí con bandas de fuera y eso ayuda mucho a la hora de crear lazos y forjar amistades. Apoyo mutuo de verdad.
Ojalá nazca pronto otro CSOA.

¿En qué medida pensáis que las redes sociales ayudan o, por el contrario, distraen o pueden hacer caer en contradicciones a una banda (o a una escena o a un movimiento social) underground y contracultural?
Las RRSS son productos de ingeniería social y por tanto detrás de ellas se esconden intereses comerciales que no compartimos. Por otro lado, es verdad que las RRSS ayudan en la difusión, a conocer gente y crear comunidad, pero también tienen una parte oscura como la hipocresía que fomentan.
En movimientos sociales es muy parecido. Todxs sabemos que desde ahí también se puede difundir, pero a la misma vez vigilar. Al fin y al cabo es de la forma que lo utilice cada unx, pensamos que no hay que hacerle mucho caso, simplemente informar y darnos a conocer.
En este sentido, precisamente en una de las canciones de este EP (Desprecio) le dedicamos unas líneas a la toxicidad que pueden generar los medios de comunicación y en este caso las RRSS no son una excepción.

Una de las canciones que tocasteis en vuestro concierto de debut fue una adaptación de un poema de Miguel Hernández. ¿Podéis contarnos algo más al respecto?
Es una historia un poco larga, jajaja. El riff de ese tema venía de antes de formarnos como banda, Dani (guitarra) y Luis (batería) lo tenían en la recámara y quedó por ahí hasta que tuvimos el grupo completo. Cuando Isa (vocales) lo escuchó, bromeó con que tenía un rollo parecido al riff de Plastic Bomb de Poison Idea, que es así como “flamenquillo”.
Entonces comentó la posibilidad de usar la letra de un poema de Miguel Hernández titulado ‘Antes del odio’. Leímos el poema y la idea nos encantó. Nos pareció una buena forma de reivindicar la figura de Miguel, ya no solo como poeta, sino como persona. Además, al haber nacido en Orihuela y haber fallecido en Alicante, nos parecía un buen guiño a la Vega Baja y Alicante, que es de donde venimos. Es un orgullo para nosotrxs tener un símbolo como él y la lucha que representa.

¿Cuándo se os podrá ver próximamente en directo?
El concierto más próximo que tenemos es este mismo viernes 24 de febrero. Estaremos en el CSO Kasablanka (Murcia), en el que será nuestro segundo concierto, con dos pedazo de bandas como Montaña (Sevilla) y Dishuman (Portugal). Estamos con muchas ganas. Próximamente tenemos otro el 18 de marzo en el CSA La Mistelera (Dénia) con Nocivo e Invisible War, otras dos bandas por las que sentimos mucho respeto. Más adelante puede haber alguno más, pero no podemos desvelar nada todavía, jajaja.

Para acabar, se dice que a las nuevas generaciones no les interesan los clásicos, pero Decadencia toca en directo una versión de una canción de Intolerance publicada hace 30 años. ¿Sois un fallo en Matrix?
Jajaja. La verdad es que no creemos que seamos un fallo en Matrix, porque las cover/versiones suelen ser temas clásicos cuyo mensaje perdura en el tiempo, que la gente conoce y además consideramos que es una manera de rendir homenaje a las bandas que los concibieron. Además, el mensaje que tiene Odio Positivo nos parece brutal. Y aunque en American History X dijeran que “El odio es un lastre y que la vida es demasiado corta para estar siempre cabreadx”, nosotras pensamos que si lo controlamos y sabemos dirigirlo de la forma correcta hacia todo lo que nos oprime, es algo positivo.
Y por último, pero no menos importante, agradecerte de todo corazón que hayas contado con nosotras para esta entrevista. Nos han encantado las preguntas, han sido muy interesantes. Es la primera que hacemos y nos ha hecho mucha ilusión.

Decadencia estarán actuando próximamente en:
MURCIA @ CSO Kasablanka. Viernes 24 de febrero. + Montaña + Dishuman
DÉNIA @ CSA La Mistelera. Sábado 18 de marzo. + Nocivo + Invisible War

La Joya: «Algo sencillo pero con carácter»

La Joya son Ricky Lavado (Standstill, Egon Soda, Nudozurdo, The Secret Society, etc) a la batería y Manel Moreno Hontoria (Muerte y Destrucción, Cuzin, The Secret Society) a la guitarra. Lo que empezó en 2020 como una forma de matar el tiempo improvisando en el local de ensayo en un periodo de escasez de conciertos ha acabado convirtiéndose en una nueva banda en la que estos dos músicos residentes en Madrid muestran su lado más sosegado. Hablemos sobre ‘Mojave EP’ (XRECXRDS, 2022), su debut discográfico con este proyecto, y sobre otros asuntos varios.

Formáis parte (o lo habéis hecho) de bandas diversas, incluso juntos en The Secret Society. ¿Qué os impulsó a formar este nuevo grupo en formato dúo y qué os aporta que difiera de todos los anteriores?
Todo surgió de manera bastante natural. Coincidimos tocando juntos en The Secret Society desde hace muchos años por lo que tenemos el equipo en el mismo local de ensayo. Además de amigos, somos prácticamente vecinos. Cuando la pandemia arrasó los conciertos y la dinámica de ensayos de la mayoría de nuestras bandas empezamos a quedar por nuestra cuenta para ensayar e improvisar un poco. Era fácil de organizar y a los dos nos gusta mucho ir al local a ensayar, es de nuestros mejores momentos de la semana y por culpa de la pandemia lo habíamos perdido. Sin muchas pretensiones algunas canciones fueron tomando forma y en un momento dado vimos que eso podía tener una forma. Lo que diferencia esta banda del resto de nuestras bandas es que siendo dos personas todo es más fácil. Además los dos somos muy parecidos y tenemos un carácter bastante tranquilo y práctico con la vida.

La Joya es una reacción a la vida acelerada, según vuestras propias palabras. ¿Realmente es posible salir del bucle actual?
Salir del bucle viviendo en una gran ciudad es complicado. Además las redes sociales y el whastapp hacen que uno siempre tenga encima ese sentimiento de inmediatez.
Llevamos muchos años entrando en locales de ensayo a tocar rápido y a un volumen atronador pero de repente llega un día que necesitas que el local de ensayo sea un pequeño descanso a todo ese ruido y estrés que hay fuera. Sin darse cuenta uno empieza escuchando música más tranquila cuando sale de trabajar o al levantarse un sábado por la mañana y al final acaba llevando música más tranquila al local de ensayo. Ha sido un proceso natural.

Al empezar a leer sobre ‘Mojave EP’, vuestro debut, y ver que estaba grabado en Estudios Brazil pensé: ah, claro. ¿Podéis explicar vosotros esto a quien esté leyendo esta entrevista, que a mí no me sale?
Javier Ortiz (Estudio Brazil) es un buen amigo nuestro de hace muchos años. Hemos grabado en Brazil en numerosas ocasiones con otras bandas. Seguramente sea el estudio más cercano a la filosofía de Electrical Audio de Steve Albini y por supuesto ese universo Albini es donde se mueve nuestra banda, de ahí que sea una conexión natural. Hicimos una sesión de grabación en directo. El estudio de Javi era el lugar natural para hacerlo porque nos sentimos muy cómodos allí pero esta ocasión contamos con un productor externo, Jorge Ramos, que también es amigo nuestro y prácticamente es parte de la banda con toda su implicación.

Realmente quien no conozca vuestros antecedentes os podría ubicar. Una de vuestras canciones se titula ‘DC’, usáis un sampler de Fugazi en otra y habéis tocado versiones de estos, de Karate, de Jets to Brazil o incluso de Circle Jerks. Y a mí me viene a la cabeza un claro referente. ¿En qué modo creéis que el festival de Sant Feliu marcó a los músicos de vuestra generación con gusto por grupos como los mencionados?
Sí, no escondemos nuestros referentes. Nos hace gracia reivindicarlos porque sabemos que la banda en lo musical a veces se aleja de esos lugares comunes, pero la filosofía que hay debajo viene de esa escena. Empezando por el Sant Feliu Hardcore Fest y terminando por las salas autogestionadas, es el ambiente en el que nos sentimos más cómodos y notamos que ese público entiende y respeta nuestro rollo tranquilo.

Otra de vuestras canciones se titula ‘Old Fashioned’ y no sé si sois aficionados a este cóctel clásico o simplemente os sonaba bien. Y al mismo tiempo, al haber leído varios comentarios vuestros sobre hacerse mayor, me he acordado de mi mueble-bar y de su relación inversa con mi colección de discos. Hace años, que era bastante más cerrado a la hora de escuchar música, me compré una coctelera, un montón de botellas de distintos licores y me dedicaba a ir probando cócteles de lo más diverso. Con el paso de los años la coctelera y la mayoría de licores están muertos de risa en el armario, solo bebo whisky o bourbon, y sin embargo cada vez tengo menos problema con la mezcla de estilos musicales. ¿Os ha ocurrido algo similar?
Sí, la canción es un homenaje a ese cóctel que nos encanta.
En realidad creo que es un cóctel que representa muy bien lo que es esta banda: algo muy sencillo de ingredientes pero con carácter.
En el mundo de las bebidas espirituosas no nos gusta mezclar mucho pero en el mundo musical por supuesto que sí.
Tenemos una gran tradición de punk, rock y todas sus variantes pero con los años nuestras miras están muy abiertas, especialmente Ricky trabaja estilos muy diversos de música hasta el punto de haber publicado un recomendable libro sobre la historia del RAP el año pasado. Ahora mismo los dos estamos muy metidos en la nueva escena country americana.

Vuestras fotos de promo están hechas en Don Benito, después de tocar en el mítico The Rincón Pío Sound. También habéis grabado en una sesión en El Nido, el nuevo estudio de Brian Hunt en Cantabria, que grabó en vídeo su hermano Jorge. A los hermanos Hunt los conocí cuando tocaban con Kidsgofree hace unos 20 años y la primera vez que los vi en directo fue en el festival de Sant Feliu, que he mencionado más arriba. ¿Qué importancia tienen para vosotros estas viejas amistades? ¿Es un incentivo a la hora de mantener una banda para vosotros conservar el contacto a pesar de la distancia con gente de la que admiras su trabajo y con la que te sientes identificado personal y artísticamente?
Por nuestro carácter conservamos vínculos muy fuertes con la gente con la que hemos tocado o nos hemos cruzado por el camino.
Por ejemplo, todos los conciertos que dimos antes de publicar el EP fueron programados por amigos nuestros de la escena hardcore con los que seguimos en contacto: Toto de Chipiona, Fon de La Agonía de Vivir, Rai de Ulises Lima… Creo que lo que atas con 20 años se queda muy bien atado.
En el caso de Brian y Jorge son muy buenos amigos nuestros. Manel ha llegado a tocar en la banda que tenía Brian en la época.
Nos gusta rodearnos de viejos amigos. Visitar el increíble estudio que ha montado Brian en Cantabria fue toda una experiencia y prácticamente unas vacaciones para nosotros. Con el Rincón Pío Sound es lo mismo, intentamos tocar allí una vez al año con la banda que sea ya que siempre es un soplo de aire fresco.

El único corte del EP que no es instrumental es ‘Amargosa’, que es la primera vez que Ricky canta y escribe la letra de una canción. También es el encargado de cantar en alguna de las versiones. ¿Cómo surge esto y por qué solo en una de las propias? ¿Tendrá continuidad en próximas grabaciones?
Sí, el ejercicio de escribir y cantar por primera vez ha sido divertido, así que habrá continuidad. Escribir letras es complicado, es un proceso un poco endemoniado y, si no estás especialmente dotado para cantar, como es el caso, todo resulta lento y farragoso, pero sienta bien verse expuesto a pequeños retos así.

Aparte del EP y el vídeo de El Nido, habéis publicado un single grabado junto a Ana Franco de Coffee & Wine. ¿Nos podéis contar algo más sobre esta canción?
Ana es muy guay, y Coffe & Wine son una gran banda. Esa canción la grabamos en la misma sesión que el resto de canciones del ep, pero no nos convencía del todo la versión instrumental y nos pareció que sería buena idea dársela a Ana y que hiciera lo que quisiera con ella. Le apeteció hablar de playas y de gatos, y nos envió de vuelta una canción preciosa, en nuestra opinión. Es un regalo cruzarte con gente buena, talentosa, y además generosa.

Aprovecho la mención de Coffee & Wine para introducir una de mis preguntas recurrentes: ¿Con qué bandas actuales se podría decir que tenéis un vinculo emotivo?
Aquí cada uno te podría decir mil nombres diferentes. Tenemos vínculos emotivos con bandas en las que toca gente a la que queremos, obviamente; bandas con las que compartimos trinchera, escenario y biografía.

Os mostráis reacios a seguir los ritmos y las prácticas habituales de la industria musical actual y sin embargo estáis tocando bastante en directo. Incluso antes de haber publicado el EP ya ocurría esto. ¿Cuál es el truco?
Truco no hay, más allá de no buscarlo. La logística de esta banda es sencilla, la actitud lo es aún más y, por suerte, tenemos muchos amigos desperdigados por ahí que hacen que las cosas sean fáciles. Nada de lo que hacemos es fruto de un plan, somos malos estrategas y sólo nos interesan las cosas que surgen de forma natural y sin expectativas previas; y sin haberlo planeado resulta que no paramos de tocar.

Tengo entendido que estáis trabajando ya, o preparando al menos, en la continuación de este EP. ¿Será esta vez en formato largo? ¿Qué nos podéis adelantar sobre este asunto?
Si todo va bien, antes de verano tendremos un disco grabado. Sabemos cuando y dónde lo grabamos, y más o menos cómo queremos que suene, poco más. Tenemos muchos esqueletos de canciones rondando en grabaciones de móvil en el local de ensayo, y nos hace ilusión ver qué sacamos de ahí.

Decís que los desayunos son muy importantes y, para terminar, quisiera resolver una duda: ¿Es cierto que en Madrid no hay sitios donde ‘esmorzar de forquilla’ antes de un ensayo a las 11 de la mañana de un sábado?
Haberlos, haylos; pero en esta banda somos de bizcochos y café.

La Joya estarán actuando próximamente en:
MURCIA @ Sala Spectrum [Microsonidos]. Viernes 24 de febrero. + Espiricom
MADRID @ Sala Maravillas. Sábado 11 de marzo. + Burro + Mal Rayo

Yakuzza: «El acto de crear es un modo de supervivencia»

Surgiendo al margen de las corrientes establecidas y por debajo de los complacientes radares abotargados, Yakuzza irrumpe como una nueva muestra del potencial creativo de la escena punk y el DIY en Murcia. Musicalmente se decantan por el post punk de corte oscuro y taciturno y se acaban de estrenar con el EP ‘Vol.0’, publicado exclusivamente en cassette por La Parca te Busca, sello barcelonés especializado en este formato. El resto mejor nos lo cuentan ellos mismos.

Acabáis de publicar vuestro EP de debut, ‘Vol.0’, a través de La Parca te busca, responsable también de trabajos de Brux o Prison Affair. ¿Cómo surge la relación con La Parca y cómo se ha gestado esta colaboración en modo de cassette?
Esteban: ¡Hola! Lo primero, muchas gracias por invitarnos a esta entrevista. En relación con La Parca, Iván y yo somos buenos amigos desde hace tiempo. Básicamente nos conocemos debido a la admiración que tengo por Brux, uno de sus grupos, y que por casualidades de la vida, unió su camino en algún momento con mi otro grupo. Esta fue una de las principales razones para empezar a hablar, hasta el día de hoy. La colaboración con la Parca realmente surge porque decide apostar por nosotros tras escucharnos en un ensayo en Instagram (por cierto, horrible de sonido, jajaja), ofreciéndonos sacar el formato físico. Iván, te queremos.

Ya que hablamos de cassettes, casualmente en las últimas semanas he tenido varias conversaciones con amigos que me preguntaban por qué se siguen publicando algunos discos con este soporte. Yo me limité a exponerles los motivos por los que yo sigo comprando cintas y seguiré haciéndolo, pero me parece esta una buena oportunidad para rescatar el tema. Como implicados, ¿qué razones hay para que un grupo escoja el formato cassette para sus publicaciones en 2023?
Javi: Pues me cuesta contestar, porque sinceramente yo tampoco tengo ni puta idea de por qué alguien, en pleno siglo XXI, compraría un cassette. De cualquier forma, aprecio que la gente los compre. Más allá de su valor funcional, tienen un componente estético que ahora gusta mucho.
Esteban: Por supuesto, por la textura que se consigue en el audio al ser reproducido. De hecho es algo que precisamente se busca en cierta manera en algunos tipos de producción a día de hoy. El formato analógico además lucha contra las ultracompresiones aplicadas al digital, así como contra la guerra del volumen. En general es un sonido nostálgico que a veces es difícil de emular con otros sistemas, al igual que el vinilo, aparte de que su reproducción constituye un auténtico ritual. Más allá de lo acústico, es innegable el valor coleccionable y los precios asequibles que las cintas tienen. Por último y más importante, es una buena forma para apoyar a las bandas y a los sellos que a día de hoy siguen apostando por este formato. Si la gente piensa que no se vende o que nadie tiene para reproducirlo, hemos de decir que ya son pocas las copias que quedan de nuestro EP.

Habéis grabado con Pablo Ruiz en Intergaláctico Estudio, por donde también han pasado Estrago o Pellejero. ¿Se está convirtiendo este en un estudio de referencia para la escena punk de Murcia y de la Vega Baja?
Javi: Pablo es una buena opción si buscas un sonido orgánico. Al final lo único lógico es que las respectivas bandas vayamos al lugar donde mejor represente esas inquietudes al mejor precio, no tiene mucho más misterio. Recuerdo querer grabar allí nada más escuché ‘El Coleccionista’ de Cromo. Yo por ejemplo vengo de tocar toda mi adolescencia con bandas de metal, donde por lo general se peca mucho de buscar el sonido más limpio posible, la más mínima impureza se regraba y todo se edita para encuadrar bien. Con Pablo sin embargo estábamos en la sala grabando en directo y la única referencia era lo que tocaba Ángel y Esteban a mi lado, nada de claquetas ni baterías cuantizadas. Eso para mí fue un soplo de aire fresco. Suena muy imperfecto, pero es que precisamente somos músicos imperfectos y ante todo personas imperfectas. No puedes pretender hacer ‘punk’ (si acaso esta palabra tiene valor alguno) y a la vez querer que todo encaje sobre un renglón en la multipista.
Esteban: Pablo es sin duda una persona que ha contribuido mucho a la escena musical como músico y como productor. Es una persona con valores muy claros, con la que es muy fácil trabajar, al que no le importa repetir las veces que sea necesario y crear un ambiente en el que cualquiera tenga cabida. Sus ideas son muy buenas y no las impone, aunque casi siempre sus sugerencias nos cuadran. Además, es impresionante la capacidad que tiene para encontrar exactamente la manera de reflejar en la producción el sonido que buscábamos. Por supuesto que va a ser un estudio de referencia en la escena, probablemente ya lo es, a pesar de que le quede mucho contenido por estrenar.
Maiki: Lo cierto es que al empezar con Yakuzza no estaba muy al tanto de la escena regional y lo que he ido conociendo ha sido sobre todo gracias a Esteban, Ángel y Javi. Lo que sí puedo decir es que Pablo es un máquina, y trabajar con él, un verdadero gusto. Tuvo muy en cuenta todas las referencias que le pasamos, y además captó muy bien nuestra esencia enriqueciéndola con sus propias aportaciones. Repetiría sin dudarlo. No me extrañaría que se convirtiese en el Martin Hannett de la escena murciana y espero que se oiga su nombre mucho más en el panorama musical.

Más que de influencias musicales, me gustaría conocer qué os inspira, globalmente, a la hora de componer vuestras canciones y escribir las letras.
Javi: Buena pregunta. Yo compongo y escribo cosas porque sé que algún día me voy a morir. Joder, seguramente vea este mundo morir antes de que lo haga yo. Que no te extrañe que mi única contribución lírica hasta la fecha, en nuestro tema homónimo, es de temática apocalíptica.
Esteban: Yo creo que tiro mucho de ideas iniciales que me surgen en algún momento determinado, ya sea por mi situación emocional o personal, por error o simplemente por aburrimiento. Una vez que las consigo, reflexiono sobre ellas y les doy vueltas, hasta que consigo una estructura con la que cuento algo. Pero no es hasta que se ponen en común cuando realmente sé que es ese algo de verdad. Esto en cuanto a las estructuras que he aportado. En otros casos, cuando se me presenta una estructura, tiendo a buscar el sonido que creo que mis compañeros intentan transmitir con las suyas. De todas formas esto es una acomodación mutua a la hora de componer. Sinceramente, creo que las composiciones resultantes son el fruto de la subjetividad y vivencias de cada uno, que consiguen casarse entre sí, actuando en sinergia. En tema de letras, confío plenamente en lo que interpreta Maiki de lo que tocamos o de lo que necesita expresar para desahogarse.
Maiki: En mi caso el acto de crear es sobre todo un modo de supervivencia. Vivencias, sentimientos, paranoias o reflexiones. Todo es susceptible de servir de inspiración. Más allá del ejercicio intelectual, veo el arte como absoluta magia. Como un rezo desesperado a los cielos, un pequeño conjuro para validar los propios sentimientos y seguir adelante. También recurro al cine en busca de inspiración, siempre me ha acompañado y mi manera de escribir está muy influenciada por el lenguaje fílmico. En último lugar, la poesía desarraigada de Dámaso Alonso me marcó profundamente en mi adolescencia, esa manera tan visceral de vomitar las emociones me sirvió para darme cuenta de que la poesía, y el arte en general, han de estar siempre al servicio de la emocionalidad.

Después de bastantes años de estabilidad, en los últimos tiempos estamos viviendo momentos de incertidumbre en lo que a centros sociales autogestionados se refiere. ¿En qué medida, tanto individualmente como a nivel de banda, os ha ayudado la existencia de estos espacios en vuestro desarrollo creativo y de qué modo creéis que contribuyen al mantenimiento de una escena underground?
Javi: Sin centros sociales okupados no habría Yakuzza, o desde luego no habríamos hecho todo esto en un año sin muchos tiempos de espera y estancamiento. Nuestros primeros ensayos fueron en el Retal, cuando no encontrábamos local. Nuestro primer concierto fue en el Retal también. No se puede menospreciar la importancia de estos sitios, sobre todo cuando vas a otras escenas musicales dentro de Murcia donde esta cultura DIY no está tan marcada. No te das cuenta de la libertad que te da ir a una asamblea, buscar un hueco para traer colegas del otro lado del país, no pagar un duro por el sitio y asegurarte de que la caja va prioritariamente a cubrir los gastos de transporte de quien venga de fuera.
A mí organizar estos eventos de forma horizontal solo me confirma lo que ya sabía. Si me permites el análisis marxista: las promotoras son una puta garrapata. Se dedican a hacer lo mismo que las bandas emergentes ya hacemos por nuestra cuenta y encima a nuestra costa y colgándose la medalla de ‘los garantizadores de la cultura’ y chorradas de ese estilo. Que no te quepa duda de que hace unos meses los medios intentaban criminalizar la rave en La Peza. Obviamente esto que digo está muy cogido con pinzas y hay muchos más matices de por medio, pero tampoco es muy exagerado afirmar que hay entidades que no les interesa una posibilidad de ocio que no esté respaldado por el Viña Rock o similares.
Maiki: Para nosotras, así como para tantas bandas, ha sido determinante la existencia de estos espacios como plataforma de despegue para la banda, pero también como lugar de reunión, de comunidad. Un refugio para promocionar la cultura y para compartir de manera no jerárquica. Creo que la existencia de los centros sociales okupados es crucial, en un mundo en que las personas estamos cada vez más polarizadas e inmersas en nuestra pompa. Las juventudes, cada vez más desencantadas con la sociedad que nos rodea, andamos faltos de este tipo de iniciativas, donde de manera horizontal se pueda compartir, crear, y en definitiva apoyarnos unas a otras.

Hablando de escena, ¿con qué bandas actuales de aquí o de cualquier lugar os sentís hermanados?
Esteban: Por supuesto con Harén, por temas personales tenemos muy buena relación. Otra banda muy cercana podría ser Solbandera de Valencia, son buenos amigos nuestros, en lo personal soy bastante cercano a Amy y Juzfu.
Javi: Pues si tuviera que mencionar alguna banda de Valencia serían Solbandera. Esteban y yo hemos hablado mucho con Amy, la cantante, y tenemos admiración mutua por nuestros proyectos. Ambas somos bandas jóvenes que estamos despegando y tenemos mucho que demostrar. No es casualidad que ahora estamos hablando de hacer gira conjunta.
Maiki: Las primeras que se vienen a la mente son Harén, sin duda. Siempre nos sentiré hermanadas porque ambas salimos del Retal, y compartimos debut la misma noche. Son unas reinas y les mando un besazo desde aquí. Además tengo que nombrar a bandas como Barrio Dinamita, con quien tocamos en su día y siempre han sido acogedores con nosotras. O Solbandera, a las que conocí recientemente y me fliparon, espero poder coincidir con ellas en un futuro cercano.

Sé que alguno de vosotros ha compaginado Yakuzza con alguna otra banda en algún momento, pero en la actualidad, ¿formáis parte de otros grupos?
Esteban: Yo sigo tocando en Contempt, aunque estamos bastante parados.
Javi: Yo tengo el problema de que soy muy todo o nada para estas cosas. O estoy en una banda con la que me identifico al 100% o no estoy en ninguna. Me cuesta mucho compartimentar mi dedicación y mi creatividad en distintos proyectos, especialmente ahora que vivo por Valencia y me bajo los findes que puedo para ensayar. Si no me diese tanta pereza montar mi tarjeta de sonido… le he dado vueltas a hacer algo más en las líneas de un proyecto solista, más por experimentar que otra cosa. Me gusta mucho el breakcore y el drum n bass de los 90, y quiero ver qué sale fusionando eso con estilos como el slowcore y el shoegaze.
Maiki: Aparte de Yakuzza, Ángel, nuestra amiga Karmen y yo estamos tratando de sacar adelante otra banda; con muchas influencias del no-Wave y del synth-pop. Pero vamos poco a poco por la falta de experiencia de todas en nuestros respectivos instrumentos. Nuestra idea es salir un poco de la zona de confort, y todavía estamos pillando carrerilla y rompiendo el miedo. En breve nos iremos moviendo. Al final, estamos muy ilusionadas con el proyecto y de un modo u otro lo iremos sacando.

Para terminar, ¿en qué fechas próximas se os podrá ver actuando en directo?
Esteban: De momento no tenemos ninguna fecha próximamente, ahora mismo aprovecharemos para seguir componiendo temas. Sin embargo, estamos abiertos a cualquier oferta que nos propongan, sea por Instagram, email o Bandcamp. ¡Muchas gracias por la entrevista y un fuerte abrazo!

The Golden Lips: «Somos una banda pequeña que toca alto y rápido»

El pasado viernes se publicaba ‘Gifts And Rewards‘, segundo EP de The Golden Lips. Para celebrar el lanzamiento, el grupo murciano ofreció un pequeño concierto en el escaparate de un céntrico espacio de coworking de nuestra ciudad, en el que interpretaron las cuatro canciones de este nuevo trabajo. Aprovecho la ocasión para lanzarle unas cuantas preguntas a Joaquín Sánchez Baíllo, vocalista y guitarrista de la banda.

 

 

Se podría decir que estamos lejos de la idea socialmente aceptada del triunfo, pero algunos persistimos en esto de la música. ¿Por qué crees que nos seguimos metiendo en estos jaleos?
Esto es lo que nos gusta, siempre ha sido así. Si has estado en bandas, fanzines y cosas por el estilo desde siempre y lo has disfrutado, lo más probable es que quieras seguir implicado en esas actividades y proyectos.

 

¿Qué parte crees que hay de necesidad de evasión, de expresarse o de satisfacer el ego en esto?
Por los demás no puedo hablar pero yo soy de los que creen que el que no se sienta un dios, que no se suba al escenario. Eso en el escenario, después más te vale ser humilde. No sé qué decirte. Yo, personalmente, si no me quisiera expresar, divertirme, evadirme y pavonearme un rato haciendo lo que hago, creo que me dedicaría a otra cosa. A pintar enanos de jardín, por ejemplo.

 

Durante los últimos 30 años he hablado con regularidad sobre la vida en general y sobre la música en particular con vuestro bajista, Quique Hernández. Virtual, Hoax, Carson Blew, Derrick y ahora The Golden Lips han estado en nuestras conversaciones. Una de las cosas que me llamó la atención recientemente es que, a pesar del paso del tiempo, la idea de pasarlo bien tocando vuestras canciones siga apareciendo de forma natural por delante de muchos otros factores en estas charlas. ¿Qué peso tiene lo lúdico en este proyecto?
Lo de pasarlo bien es una forma positiva de afrontar la realidad del proyecto y de la música al nivel al que nosotros nos encontramos. Sin embargo, no es algo tan lúdico porque hay una inversión económica, de tiempo y unos objetivos que, aunque sea lentamente, vamos consiguiendo. ¿Esto es una forma de entretenimiento? Claro, no nos ganamos la vida con ello. ¿Es pasar el rato el único objetivo de este proyecto? No, para nada. Pero si no lo pasáramos bien, entonces mejor sería no hacerlo.

 

Aunque parece que costó encontrar una base rítmica duradera para la banda, ¿podemos afirmar ya que The Golden Lips tiene por fin una formación estable?
Sí, Víctor le ha dado a la banda la estabilidad que necesitábamos. Además, es un batería cojonudo y un tipo estupendo que aporta muchísimo al proyecto. Tenemos mucha suerte de contar con él.

 

En realidad se sigue vendiendo más música en CD que en vinilo, pero se presentaba este medio como una especie de salvación de la música en formato físico. Hasta que llegaron las grandes compañías y acapararon las cadenas de planchado de discos, con un número bastante limitado de fábricas dedicadas a ello, haciendo que publicar en vinilo sea caro y se demore demasiado. Vosotros habéis apostado por el CD para ambos EP, supongo que en parte por esto que comento, pero no únicamente, ¿no? ¿En qué modo pensáis que se puede revertir la tendencia en la fabricación y compra de discos en ambos formatos en este nuevo contexto? ¿Creéis que llegará ese momento tantas veces vaticinado en que desaparezca del todo el formato físico para la música?
Leí por Internet, no hace tanto, que tal y como se estaban poniendo las cosas para fabricar vinilos, el formato del futuro para las bandas pequeñas es el CD. A nosotros, desde luego, por nuestra estructura de costes y capacidad de inversión, el CD es lo que podemos hacer ahora mismo. Eso sí, tengo claro que algún día sacaremos un vinilo; se valoran mucho más y es un gran formato. Pero tampoco voy a mentir, yo crecí comprando CDs y me gustan los CDs. Un buen CD suena genial y si se ha cuidado el artwork, puede resultar muy estético. Yo creo que el formato físico no va a desaparecer, tiene muchas ventajas y a la gente le gusta tener sus discos favoritos en casa y no solo en la plataforma de turno.

 

 

Escogisteis un formato bastante llamativo para presentar el nuevo EP, tocando sus canciones en directo en un escaparate. En la situación actual, en la que la inmediatez y la exposición pública son tan importantes en las nuevas tendencias y en las formas de comunicación, como profesional del audiovisual además, ¿qué importancia le da The Golden Lips a la imagen?
Si miras nuestras fotos o nuestras redes sociales te darás cuenta de que, salvo por los videoclips, no demasiada. Lo de tocar en el escaparate fue una idea que surgió con Murcia Emprendedora y que nos pareció muy divertido para complementar la presentación del EP, así que lo hicimos y la verdad que estuvo muy bien. Repetiríamos sin dudarlo.

 

La noche de la presentación del nuevo EP comentamos lo difícil que resulta a veces para grupos como el vuestro, que se mueve entre estilos muy noventeros como el grunge, el thrash metal o el rock alternativo, encontrar su nicho: grupos con una conexión en cuanto al estilo musical con los que compartir escenario, la atención de medios especializados o un público persistente para los discos publicados y los conciertos realizados. ¿A qué crees que se debe esta situación?
A que son estilos muy de nicho, que no están de moda y que no siempre están muy bien valorados desde el punto de vista artístico. Suena fatal, pero no creo que me vaya a rebatir nadie. Tampoco vamos a quejarnos demasiado sobre esto, lo sabemos y seguimos hacia delante creando nuestros propios espacios.

 

También aquella noche, junto a nuestro amigo David del festival Satarra, bromeábamos sobre lo extenso de algunas de vuestras canciones. Realmente, más allá de chanzas, a mí me parece de lo más lógico en una banda como la vuestra, dentro de un ejercicio de estilo. No obstante, ¿os sentís tentados en alguna ocasión a adaptar vuestras composiciones a los estándares que se suponen más radiofónicos?
No, para nada. Siempre vamos a lo nuestro. Nuestro primer single, de 2017, fue una canción de dos minutos. Y en el anterior EP, todas eran canciones más o menos cortas. Estas últimas canciones han salido más largas, porque así sentíamos que funcionaban. Eso sí, como curiosidad, te diré que nuestra canción más larga es la que mejor ha funcionado en streaming en términos de escuchas y playlist. Así que, a lo mejor… ¡Deberíamos hacerlas aún más largas!

 

Observando la foto grupal del público de la presentación, es evidente que en general somos gente que tenemos ya una edad. Desde muchos medios se martillea de forma constante con la idea de que a la gente más joven solo le interesan las nuevas tendencias, como si no se pudiera compaginar todo. Es evidente que hay un relevo generacional en el circuito underground y en escenas como la punk, con el post punk como estilo estandarte. ¿Cómo crees que se puede conectar con estas nuevas generaciones?
No lo tengo claro. Tal vez sea imposible, la verdad. Creo que nos tiene que dar igual conectar con una generación de abuelos, padres o bisnietos. Somos una banda pequeña que toca alto y rápido. Quien se quiera apuntar a eso, ahí estamos, tenga la edad que tengan. Cualquier otra cosa puede resultar frustrante y poco productiva y, desde luego, es algo muy alejado del propósito de hacer canciones y música que nos llene.

 

El 17 de diciembre volvéis a tocar en la Sala Spectrum de Murcia. Contadnos algo sobre este y otros conciertos próximos.
Este concierto del 17 de diciembre es la continuación de uno que hicimos el 14 de diciembre de 2019, repetimos con los amigos de Efecto Lucifer y se suman Absenci, que vienen desde Madrid. Para el año que viene ya tenemos algunas fechas más que anunciaremos dentro de poco pero no te puedo adelantar mucho más.

 

Para terminar la entrevista, un clásico de esta publicación: ¿Qué grupos de vuestro entorno (no solo geográfico) os gustaría recomendar?
Yo recomendaría a todos mis colegas pero tampoco es plan. Así que me iré al extranjero, no sé si tienen algo que ver con nosotros pero hay un grupo venezolano llamado Cadáveres Podridos que es la hostia y que recomiendo a todo el mundo. Y sí, se llaman así.

 

Fotos: Ese Gese

 

Úrsula Bravo: «La colectividad es la única forma que conozco para existir»

A Úrsula Bravo (Murcia, 1988) podemos presentarla como activista, creadora audiovisual, investigadora cultural, podcaster, experimentadora sonora, educadora experimental o diseñadora gráfica. En definitiva, una artista multidisciplinar a la que nos complace poder dar voz en este espacio.

 

 

En alguno de tus perfiles públicos te defines, entre otras cosas, como activista. Creo que esto describe muy apropiadamente cómo enfocas tu trabajo, en el que actualmente conceptos como la ecología sonora o la conciencia auditiva tienen bastante peso. ¿En qué medida crees que la experimentación y la investigación sonora requieren de una implicación, que pueda ir incluso más allá del propio arte, a la hora de relacionarse con la realidad que nos rodea?
El arte es la perspectiva que construye los mitos colectivos, el uso de la imaginación que supera las fronteras de lo posible en la producción de objetos y hechos. No sé si te refieres a ir más allá del hecho material, sólido. El trabajo con el sonido siempre trasciende las dimensiones en las que estamos habituadas a desarrollar nuestro eje de percepción sensible con la realidad. Pero afecta inevitablemente a la forma en la que lo sólido y lo real se habita.
Dentro del activismo tengo que hablar de esta campaña, para la reducción de la huella de carbono en la industria musical, una campaña preciosa ambientalista. https://musicdeclares.net/gb/declaration
Y celebro gratamente la conquista legal que las compañeras han conseguido otorgando derechos a la laguna del Mar Menor. Gracias a Indirect Film por documentar el proceso.

 

En una entrevista reciente decías que tus trabajos no te reportan directamente experiencias de satisfacción, pero sí de catarsis. ¿De qué forma piensas que el arte sonoro y la experimentación auditiva sirven, tanto para quien lo crea como para quien lo percibe, para canalizar emociones o como elemento liberador respecto a otros aspectos de la vida cotidiana?
Considero que la experimentación con el sonido nos ofrece unas prácticas que abren lo suficiente la estructura de la imagen, dando campos de composición más libres, además de ser lo suficientemente abstracto como para superar las barreras de las palabras y construir diálogos con colectividades, que pueden ir más allá de nuestra especie. En la cualidad empática que tiene el sonido, estoy trabajando en un discurso poético que define esa característica, que gracias a un error tipográfico me trajo la palabra «infonía» (del catalán infondre, que es el participio de infundar), que me abre esta cuestión: ¿Cómo la onda mecánica sonora, en su deriva frecuencial, puede sintonizarnos a través de golpear la superficie permeable de nuestra piel, tan profundamente, con significados emocionales de manera colectiva? Como si fuera una placa de Chladni pero a nivel sensible.

 

«La desindividualización hacia lo colectivo reduce las posibilidades de colapsar», decías en esa misma entrevista en la revista ‘Who It’s Art?’. Iremos viendo a lo largo de este cuestionario cómo lo colectivo y las colaboraciones tienen gran importancia en tu actividad artística, pero para empezar, ¿cómo influye la colectividad en la formación de tu identidad creativa? ¿Y qué nos puedes contar del proyecto Las Petite Comité?
El otro día leía una frase por ahí que me pareció muy afilada. Se necesita una comunidad para criar a un artista. La colectividad es la única forma que conozco para existir. Pero supera las islas por afinidades o gregarismos.
Somos seres sociales, y la desindividualización no habla solo de superar el solipsismo con nosotros mismos como ego, sino que va más allá de la construcción cultural de lo que significa ser un humano, para acercarnos a la comunicación entre distintas especies. Habla de la superación de los límites culturales que definen nuestro ecosistema antropocéntrico.
El proyecto de Las Petite Comité (Isabel Flores, Eliana García, Puçanga, Úrsula Bravo) nació con la urgencia de empoderar a personas con distintas vulnerabilidades emocionales, que les impedían usar su capacidad expresiva en los espacios públicos por miedo al juicio de reclamar su lugar. Por no ser grandes instrumentistas, por no ser músicas ortodoxas. Era un espacio de reflexión en el que hablábamos sobre transfeminismos y creábamos discurso y práctica juntas. Pero se ha disuelto. El último ejercicio que realizamos fue en Samhain 2021, en el que propusimos una instalación sonora, en la que recopilamos discursos de distintas mujeres que expresaban su dolor ante las dificultades por ser mujeres. Afirmaciones como “claro, como tengo un hijo no me van a dar ese trabajo”. Enterramos un altavoz en el suelo, con la intención de construir una tumba simbólica de todas las muertas que por levantar la voz han sido asesinadas.
Aunque quizá vuelva a resurgir. Sigue siendo una práctica necesaria, siempre que encontremos espacios amables y afectivos que acojan estás prácticas. Porque Murcia, buf, no veas el cachondeo.
https://www.instagram.com/p/CWlQ84dq38O/
https://www.instagram.com/p/CVQfjRcsmWP/

 

Otro proyecto en el que estás involucrada es el Laboratorio Experimental Do Som de las Azores, dedicado al estudio de la naturaleza de la cultura aural, los paisajes sonoros y las múltiples formas en las que el sonido se puede usar. ¿Podrías explicarnos con más detalle en qué consiste el trabajo de este espacio?
Es un programa cultural que se activa con la potencia de cambiar lo que entendemos como realidad desde su distintas vertientes, desde las rítmicas de la sociología, antropología, estética, y se nutre de las corrientes filosóficas del nuevo materialismo, y algo de física experimental. De momento es un proyecto piloto que se va a intentar aplicar el año que viene con unos talleres de grabaciones de campo para la divulgación y práctica de la ecología sonora, estén atentos, será bonito.

 

 

Últimamente has participado también en varias residencias de arte sonoro (Lux in Tenebris, CAMPfr, Nomadic Soundsters, etc). Háblanos sobre tu intervención en estas y sobre planes futuros en esta línea.
En estas residencias, por ejemplo en Nomadic Soundsters, no conseguí aportar más a la colectividad porque estaba muy agobiada y estresada con algunos proyectos y lo tuve que dejar apartado a un lado dejando a mis compañeros…
Lux in Tenebris fue una experiencia muy hermosa, aprendí mucho con los mentores. Nos facilitaron trabajar en equipo para una gran producción, los juguetes, el equipo de personas, además de tener el lugar adecuado para reflexionar creativamente sobre lo que significa el mito católico siendo una mujer, y sobre cómo se utiliza el terror para construir su base de poder.
CAMPFR está simplemente increíble. He tenido la oportunidad de conocer, cohabitar e intercambiar experiencias con artistas impresionantes, como Aviva Rahmani, Chris Watson, la banda Deerhoof, Francisco López, Mark Feld, Zoe McPherson, Florence Peake, entre otrxs. Recomiendo encarecidamente los workshops de CAMPFR, son una experiencia única en su especie. Sus fundadores son lxs artistas más fabulosxs que conozco. Masters del arte relacional.

 

Las colaboraciones y residencias te están llevando a lugares como Budapest, los Pirineos franceses y catalanes, las islas Azores o Grecia. ¿De qué forma contribuyen estos viajes a la definición de tu faceta como creadora, investigadora y experimentadora?
Este año postpandémico y post trauma me está salvando de la extinción como persona. Soy una luchadora, pero casi me destruye. Así que agradezco al karma el flujo del movimiento que el arte ha agotado como inevitabilidad.

 

Otra parte importante de tu trabajo es el de la pedagogía experimental y sonora, las intervenciones educativas sobre paisajes sonoros. Imagino que entra en este campo la actividad de Paisajes Sonoros Murcianos. ¿En qué consistía exactamente? ¿Tenéis pensado repetirlo próximamente? ¿Tienes planificado realizar en breve alguna otra intervención pedagógica de este tipo?
En este taller trabajábamos la consciencia acústica interespecie, entendiendo nuestra huella sonora en el mundo y como, cuando entramos en el estado de escucha, nos molesta hasta nuestra propia especie, como la especie humana utiliza métodos violentos para comunicarse y como en la cultura occidental han sido eliminadas las practicas sensibles de reconocernos con el medio natural, y ahora en el poscapitalismo estamos intentando recuperar las formas en las que se relacionaban nuestrxs ancestros con la naturaleza y el territorio, entendiendo los ciclos, los biorritmos etc. Para el año que viene estamos preparando unos pequeños talleres con el proyecto 432Hz, relacionados con estas prácticas.

 

En lo relativo a tu faceta como creadora audiovisual, tus obras más recientes son ‘Survival’, una colaboración con Martín López, en la que él toca la batería y tú te encargas de los sintetizadores y el videoarte, y un tema de 12 minutos publicado a través del sello Vultureculture. En este campo (grabaciones, conciertos, performances, instalaciones, etc), ¿en qué estás trabajando ahora mismo?
Acabo de lanzar con Vultureculture Label un peque álbum llamado Clima (climate en inglés), en el que sintetizo paisajes sonoros naturales deformados que hablan de una atmósfera contaminada, y cómo resuenan los seres en este nuevo espacio no natural.
https://vultureculturelabel.bandcamp.com/album/climate
También estoy trabajando con mi amigo del que estoy enamorada como artista, Pablo Jordán, en un proyecto audiovisual, al que llamamos Cave. Aquí podéis escuchar el single que lanzamos en pandemia: 
https://youtu.be/EyjGBBUGU1g

 


 

Formas parte de la organización del festival de arte sonoro y músicas raras Samhain de Murcia que se celebra cada año el 31 de octubre (o fecha cercana). ¿Puedes contarnos algo sobre lo qué tenéis preparado para esta edición? Por cierto, ¿qué es el tecnochamanismo?
Por desgracia el año pasado fue la última edición. Utilizábamos la palabra tecnochamán como un neologismo que definía las prácticas rituales a través de formas contemporáneas de dispositivos tecnológicos.

 

He estado escuchando la última entrega de tu podcast en Tesla FM, Espace Plein, y me ha parecido un complemento idóneo para el resto de tu obra, una especie de diario o making of de la misma, al que llamas documental radiofónico experimental. ¿Qué más nos puedes decir sobre este? ¿Planificas sus contenidos o dejas que estos simplemente vayan surgiendo?
Son pequeños documentales autobiográficos. Muestran parcialidades abstractas de lo que habito durante ese mes de producción. Compongo la música que acompaña esas derivas y a veces se apoyan en textos que fundamentan mi discurso.
Va surgiendo, y como la vida es así de hermosa, muchas veces tengo el honor de que mi hábitat sonoro resuene con las manos de artistas preciosxs. Fue mi primer ejercicio seriado de piezas sonoras y estoy eternamente agradecida a Shak por su paciencia y dedicación.

 

He dejado para el final el diseño gráfico, que es tu formación original, pero no quisiera terminar sin hacer mención. Entre otras cosas has realizado diseños para el sello de música experimental vultureculture. ¿En qué otros diseños estás trabajando en la actualidad o has trabajado recientemente?
Pues gracias a mis queridos Andrés Navarro y Emilio Saura, que me propusieron la comunicación gráfica del festival de percusión Coper_accion, que se celebró a principios de septiembre en Cartagena. A los que no tenéis que perderle la pista, mueven y trabajan un flujo de composición contemporánea y pedagogías experimentales muy interesantes. También estoy editando un manual para la liberación económica, para compartir la hermosa paparajotería.
Murcia da un poco de asco, es muy difícil que te contraten en algún estudio si no eres lameculos, o que cuenten contigo para compartir trabajo. Eso sí, si transgredes te van a sacar hasta los ojos, pero olvídate de ver dinero.

 

ANIMADORA: «Un ejercicio de honestidad vehemente»

Capas, distorsión y reverb en abundancia al servicio de las atmósferas envolventes, dando forma a evocadoras canciones de shoegaze cantado en castellano. Así suena ANIMADORA, el nuevo proyecto en solitario de Andrea Podadera, del grupo de Neon October, que nos presenta a continuación.

 

 
Formas parte del grupo Neon October, con un estilo similar al de este nuevo proyecto, pero has decidido lanzarte también con esta nueva andadura en solitario. ¿Qué supone para ti Animadora personal y artísticamente en este momento?
Hacemos un estilo similar en cuanto a crear atmósfera, el rollo ensoñador… pero es más suave. ANIMADORA es un ejercicio de honestidad bastante más vehemente, más bruto, y ha salido con tintes más ‘doom’, en una línea más oscura y «agresiva». Me apetecía probar por ahí y llevaba tiempo queriendo hacer algo diferente; algo más en sintonía con la yo del presente. Es algo que se ha ido cocinando a fuego lento durante años y que, por algún motivo, no me he atrevido a materializar antes. También por todo lo que conlleva representar y representarse en un proyecto exclusivamente propio.

 

En tu presentación en sociedad hablas de lo visceral, de la pulsión y, en definitiva, de lo necesario de hacer música. Pero a la vez mencionas la nada y la indecisión. ¿En qué momento sentiste que la barrera estaba superada?
Qué pregunta tan complicada, jajaja… La verdad que dicho así suena a contradicción enorme (que lo es), pero yo sí siento que esas palabras son compatibles las unas con las otras. Te mencionaba antes lo del ejercicio de honestidad, y al final es un poco eso: sentir «la llamada», poner las palabras sobre el papel y echar unas cuantas vísceras en el proceso. La indecisión es una neblina que convive en mi cabeza y no paga alquiler. Ha estado bien presente todo este tiempo (hacer las canciones, publicarlas o no). Y a la nada, a pesar de ser un espacio vacío, extraño y extenso, tengo mucho que agradecerle (venció a la indecisión). Es el reseteo, el partir del punto 0.

 

El proyecto, aunque sea algo individual en lo creativo, nace con idea de llevar las canciones al directo y así será. ¿Quiénes forman tu nueva banda?
Estaría bien llevarlo al directo a lo Planning for Burial, pero está complicado y, la verdad, me gustaría aparcar por un rato la guitarra y centrarme más en la voz o darle al sinte. Así que sí, estoy buscando músicos. La idea es replicar, en la medida de lo posible, el sonido de lo que salga del estudio.

 

El debut en directo será pronto, el 5 de noviembre en el Festichachi, festival de disqueras independientes de Madrid. ¿Hay más conciertos en breve a la vista?
Alguna cosa hay, pero está por confirmar. Veremos qué sale antes de finalizar el año. Para 2023 sí que espero montar más de un bolo, la verdad.

 

De momento has publicado dos canciones en plataformas, que sirven como adelanto a un próximo EP. ¿Cuándo está previsto que se publique? ¿Recurres a la autoedición? ¿Habrá edición física?
Si te soy sincera, no tengo una fecha fijada para publicarlo, funciono con un libre albedrío acojonante. Y por ahora todo en digital. Soy pobre y no puedo costearme una edición en físico, jajaja.

 

El tuit fijado en tu cuenta de Twitter es un hilo sobre portadas de gran belleza. Una gran responsabilidad ahora que te toca a ti publicar, ¿no?
Jajajaja, esta pregunta tiene picardía. Me gusta mucho indagar, coleccionar, clasificar… el cover art de álbumes que me gustan. Pero con lo mío no sabía ni por dónde empezar. Hay varias ideas en marcha y lo voy a dejar un poco en manos de otros (una amiga, en este caso). Como no hay fecha fijada, tenemos tiempo.

 

Aunque afincada en Madrid, procedes de Málaga. El otro día, gracias a una recomendación tuya en redes sociales, descubrí a tus paisanos the only traces left of sunken ships. ¿Con qué otros grupos de una parte o de otro, o de cualquier lugar, te sientes hermanada o identificada?
TOTLOSS son geniales, vienen a Madrid el 27 de octubre, si no me equivoco. Hay que ir a verles.
En cuanto a sentirme identificada o hermanada, me es difícil responder a esto, no lo he pensado mucho. Sé hablarte de artistas o iniciativas que me gustan, o toda esa escena subyacente con géneros más como el screamo, el hardcore o el punk que se me hace más inclusiva y acogedora.
Lo que se hace en CSA Las Vegas, por ejemplo, me parece súper guay. Llevo mucho sin vivir en Málaga y, quizás es porque no estoy ahí y no me llega todo, pero tengo la sensación de que la pandemia (y otros factores) se han cargado un poco la escena local y el underground. Y CSA intenta mantenerla a flote pese a las dificultades. Sí que creo que son necesarios más espacios así, y me siento más parte de ellos que de otros. Sobre todo en mi ciudad.

 

Para acabar, ¿cuántas veces al día estás pensando en alguna canción, propia o ajena, y te dices: yo a esto le metería alguna capa más o yo a esto le ponía más reverb?
Es un pensamiento constante con composiciones propias. A veces es difícil saber cuándo parar, y te obligas. Lo que sí me pasa con canciones de otros es que las voy escuchando y, de repente, resuenan elementos en mi cabeza. Entonces entro en las notas de móvil y voy escribiendo lo que surja: letra, un riff, una melodía aleatoria… Luego intento recolocarlas para ver si tienen algún sentido. Encuentro inspiración en ellas pero no me obceco con el sonido o con detalles técnicos. No soy muy amante de la técnica en general.
Y con la reverb tengo un problema, y es que nunca me parece suficiente. Otra cosa con la que hay que obligarse a parar.

 

Lonja Negra: «El objetivo es rascar todos los márgenes que se pueda»

Lonja Negra es un grupo de gente, con afinidad personal y creativa, implicada en la música, el diseño gráfico o la ilustración, entre otras disciplinas artísticas, que ha decidido dar un paso al frente y empezar a programar eventos en Murcia desde un enfoque underground. En su presentación en sociedad hablaban de contribuir a reparar un tejido cultural, de hacer las cosas de otro modo, de militancia underground y de «metal herético, rock esdrújulo, dub cósmico, electrónica escurridiza o gritos industriales». Se estrenaron el pasado mes de septiembre, con La Madriguera y el bar Ocio como sedes, y ya tienen su programación cerrada para lo que resta de año. El sábado nos esperan nuevamente en La Madriguera, y después en Moss, para la segunda entrega de este primer ciclo. No podía dejar pasar la oportunidad de hacerles unas cuantas preguntas.

 

 

Que surja un colectivo como el vuestro es bastante lógico. Pero me gustaría saber un detalle concreto: ¿En qué momento y en qué contexto alguien propuso pasar a la acción y obtuvo por respuesta un «adelante, montemos nuestros propios saraos»?
Pues era como el elefante en la habitación. Se habló más de una vez que, en ciertas historias que había en Murcia, siempre estábamos los mismos. Asociarse es un paso lógico.

 

Es evidente que son tiempos difíciles para todo lo que se aleje de las corrientes principales. ¿Pensáis que es imprescindible la autogestión en la actualidad o una simple alternativa?
Nunca diría imprescindible, pero sí que en Murcia falta esa parte de alimentación desde una red que existe en España y por extensión en Europa. Algunos artistas que van a venir a estos primeros eventos no hubiesen tenido la oportunidad en las corrientes principales en este momento por la saturación que existe en estas. Es una especie de cuello de botella. No todo lo que haga un músico puede estar supeditado de una forma tan grande al rendimiento económico. Es que hasta bandas que se garantizan cantidades considerables de público están cancelando giras porque no les dan los números, se ven muchísimos casos.

 

Habéis escogido La Madriguera como sede para vuestros eventos. Personalmente me agrada mucho este lugar, me recuerda a otros en los que he pasado buenos momentos, como el antiguo local de La Nave o El Quirófano. ¿Qué os ha llevado a esta elección? ¿Os sentís identificados con proyectos del pasado como Colectivo Moog o Cores & Danzas?
Claro que sí. Lo que pasa es que, el problema de las cosas hechas por el amor al arte, es que acaban agotando a la gente, hay que ir dando relevos. La Madriguera lleva varios años y son gente buena, humilde y que cree en lo que hace. Nos gusta mucho el espacio.

 

Aunque estuve presente en vuestro primer concierto, con Davidub, Pionera y Nepal Napalm (que tuvo continuación en Ocio con Agustín García y Tobías), me gustaría conocer cuáles fueron vuestras sensaciones en esa noche de estreno…
A pesar de no poder anunciar con mucha antelación, fue muy satisfactorio. Vino bastante público y se disfrutó mucho.

 

Es fácil comprobar que en determinados conciertos en nuestra ciudad las personas que asistimos tenemos ya una edad. ¿Creéis que existe una posibilidad de relevo generacional para este circuito underground?
Siempre. Cambian los códigos y la realidad ahora es distinta, pero siempre creo que va a haber un relevo generacional. Sería genial que aportásemos a que eso ocurra.

 

Los conciertos de Lonja Negra vienen acompañados por posteriores sesiones en Ocio o Moss. Más allá de lo que son los grandes festivales, ¿pensáis que la electrónica y lo que podríamos llamar cultura de club están ninguneados en la actualidad en nuestro entornos social, cultural y mediático?
Hace años estaban más cerca y creemos que suman un todo que alimenta a ambas escenas, que tienen mucho más en común de lo que parece, tanto en la forma como, sobre todo en el fondo. Es uno de nuestros objetivos.
El próximo sábado tenemos un lineup entre La Madriguera y Moss que, la verdad, estando feo que lo digamos nosotros, es de una calidad enorme.

 

 

Aunque ya conocemos el cartel de vuestros tres próximos conciertos, ¿por qué no nos hacéis una pequeña presentación de estos?
Pues me extiendo un poco más con el primero puesto que lo tenemos este mismo sábado. Por un lado tenemos a Dame Área, que es una de las propuestas más rompedoras y especiales que tenemos en España, y no es fácil verlos por aquí abajo. Su directo de hace unos meses fue una pasada. Después tenemos a Espiricom, que encima publican un disco brutal y producido por Óscar Mulero (otra muestra más de cómo la música de banda y la electrónica se tocan) el día antes. Además para esa noche tenemos la colaboración con Ombra Festival repartida entre La Madriguera y Moss. En la primera, además de los mencionados arriba tendremos a PanDemian, de We Are Not Brothers, una de las cosas más aguerridas que te puedes tirar a la cara ahora mismo y todo por doce pavos.
Después ya en Moss, por parte de Ombra tenemos a RNXRX! y a Serx Einheri que son otra pasada, y añadimos desde Lonja a talentosos de aquí como Agustín García, Tobías y de remate a Comisarios de la Luz (Dame Área). El evento es magnífico.
En cuanto a los siguientes, para noviembre, el 18, tenemos a Balcanes, que también tienen disco recién salido y es un pepino. Otra cosa dificilísima de ver por aquí abajo. Esa noche se acompañarán de Pau From Marc, banda de Marco Velasco y Paula Sal, que el año pasado sacaron uno de los discos más chulos en este país y que encima son de la tierra. Además seguro que ya tiene cosas nuevas que ir presentando. Por último, el día 23 de diciembre tenemos a uno de los hijos predilectos de la ciudad, Fur Voice, otro con discazo nuevo y talento para aburrir y a Salva Alambre, que seguro que también trae sorpresas.
De momento es lo que hay, pero estamos muy orgullosos de esta programación, la verdad.

 

Viendo la programación anunciada hasta ahora, el nexo en común, más que los estilos musicales, que son de lo más variopinto, es el gusto por los márgenes, por la experimentación. Pensando en el 2023, ¿qué proyectos tendrían cabida en Lonja Negra? Podéis dar nombres concretos si os apetece…
No podemos dar nombres pero estamos en ello. Pero el objetivo siempre es ese, rascar todos los márgenes que se pueda.

 
Para terminar, ¿se puede saber quiénes conforman Lonja Negra o es este un colectivo que forma parte de la tradición de sociedades secretas?
No es especialmente relevante, creo. Hablo en primera persona del plural porque, al final, solo somos gente que nos respetamos y admiramos y queremos unir fuerzas.
 

Haren: «Nos quejamos porque para eso tenemos un grupo»

Haren, si ningún brazo escayolado lo impide, son Anyela (guitarra, voz), María (bajo, coros) y Marta (batería) y forman parte de la nueva ola de bandas de la siempre dinámica escena punk de Murcia. Aprovechando la publicación de su demo debut, les abrimos las puertas de Tímpanos y Luciérnagas.

 

 

Acabáis de publicar en Youtube vuestra demo debut, con cinco canciones, que se publica en formato cassette a través de Polze De La Mort y Cebolla Records. ¿Cuándo estará disponible y cómo se podrá conseguir?
Estará disponible cuando Jaume diga, jaja. No sabemos exactamente cuándo, peeeero eso, pronto. Se la pueden pillar a él directamente en Polze De La Mort, en algún concierto de La Mistelera o por envío. Además, sacaremos una edición especial de menos copias con el sello de Tambores de Guerra y estamos barajando opciones para sacar la demo en un 7”.

 

A pesar de no tener nada publicado todavía, desde vuestro estreno en directo en abril de este año, habéis hecho unos cuantos conciertos y unos cuantos kilómetros para ello. Imagino que ahora, con la demo como respaldo, no bajará el ritmo. ¿Dónde y cuándo se podrá ver a Haren en directo próximamente?
Hemos tocado un par de veces por el sur, en Almería y Granada, además de aquí en Murcia. Tocaremos en octubre en La Biblio, en Barcelona, junto a Dishuman, Lumpen, Revanche y Disolvente. Igual sale algo por Madrid para noviembre (se está gestionando) y el 9 de diciembre tocamos aquí en la casa con Presagio, Colisión, Solbandera, Yakuzza y Estrago. De momento eso.

 

«No somos un grupo de chicas, somos un grupo de punk», cantan Troika en su canción ‘Etiquetas’. No puedo evitar asociar esta canción con vuestra banda, más aún sabiendo que en algún concierto os ha tocado batallar con un «público asqueroso». En una escena supuestamente alternativa, en la que se supone que ciertas actitudes deberían estar superadas ya en estos tiempos, ¿creéis que queda demasiada gente con comportamientos inapropiados?
Anyella:Sí, nos hemos ido a hostias con un par de asquerosos, marranos, gonorreas que, bah, ni pa’ qué… Gente de mierda siempre hay en todas las «escenas». Tratamos de rodearnos de buena peña y aunque el punk es una chimba, nunca faltan esos personajes. Pero eso… «navajazo y pa’l río».
Marta: Solo en un año tenemos historias de abuelas cebolleta sufridoras de acoso y asquerosidades. Para mí era flipante que con 18 años me estuvieran babeando viejos de 40. Id a meter la polla en un hormiguero, putos guarros.

 

En esta sociedad en la que se habla continuamente del éxito y se publican libros multiventas que tratan de convencernos de que se puede conseguir todo lo que te propongas, me gusta ver que queda un reducto de gente que habla abiertamente del fracaso y la frustración, como hacéis vosotras en la canción «Frakaso». ¿En qué medida la música en general, y el punk en concreto, os ayuda a lidiar con ello y asumirlo como parte de nuestra existencia?
Anyela: Pues la verdad, el ruido y el punk salvaron y arruinaron mi vida. Si no fuera por esto, ¿quién sabe qué estaría haciendo ahora mismo? Alistando la cuerda para colgarme, supongo… Tocar no-música nos ayuda a lidiar con el aburrimiento y así tenemos excusas para viajar, emborracharnos y conocer nuevos amigos. Y como ya eché mi vida a perder por esto, me da igual. Así que salud por el frakaso, jaja.
María: Está guapo tener una banda, yo qué sé, jajajaja. A mí me ha salvado un poco de la desidia y de mis dilemas existenciales. Y como me lo guardo to’ pa’ mí, pues así se lo grito a un micro y me quedo tan agusto, jajajaja.
Marta: La música me ha hecho conocer a personas increíbles. También vivir cosas feas. Pero volvería a repetir noches de brotes de locura con tal de estar aquí con ellas. El fracaso viene de serie y el punk puede hacer que liberes rabia. Pero esa frustración acaba reventándote en la cara. Así que gracias a mi psicóloga desde aquí por tanto.

 

Desde la distancia resulta extraña la figura de «élite punk» de la que habláis en la canción del mismo nombre, tratándose de un movimiento supuestamente horizontal. ¿Cuál es vuestra experiencia al respecto?
Anyela: Pues siempre en todos o casi todos los sitios donde he estado/vivido existe el típico grupito de peña de los de siempre blablabla que se la chupan entre ellos y qué coincidencia que la mayoría de veces son unos viejos aburridos, jaja. Hicimos la canción para reírnos un poco y ya está. Aunque me mola que existan, así estoy lo suficientemente asqueada. No todo puede ser bueno, jajaja. ¡En la letra se resume todo!
María: Yo no me he sentido más rechazada que en ambientes denominados «punks» por no escuchar la música que toca o no llevar el uniforme adecuado. Pero es también en estos ambientes donde he encontrado a mis mejores amigos, así que una cosa por la otra, jajajaja.
Marta: Es gracioso ver como en escenas donde se propugnan valores de camaradería, compañerismo y colectividad hay siempre peña que te mira por encima del hombro y se chupan entre ellos las pollas, pero por suerte hay muchas otras personas que merecen la pena. Cada uno elige ser lo tonto e hipócrita que quiera. ¡Nosotras nos quejamos de ello porque para eso tenemos un grupo!

 

Hace poco hablaba con un amigo sobre bandas y me mencionó a algunas como vosotras mismas o MMXX como parte de un relevo en la escena punk de nuestra ciudad. ¿En qué medida creéis que la existencia de espacios como El Retal o Kasablanka contribuyen a la existencia de una escena underground persistente en Murcia?
Uf, pues sin El Retal y Kasablanka sería horrible. Gracias a esos espacios podemos movernos, montar conciertos, talleres, eventos de todo tipo. ¡Contribuyen y mucho! Por ejemplo, Haren nació en el local de ensayo de El Retal. Y no solo Haren, muchas bandas han nacido ahí. Y aunque nuestro debut oficial fue en El Retal, Kasablanka fue donde tocamos por primera vez en vivo dos canciones. Y las repetimos para alargar, jaja. Entonces no sé, son lugares que dan para mucho. Ojalá en todos lados hubiese sitios así. Hay que cuidar estos espacios para poder seguir haciendo cositas, ya que dan para muchas cosas. ¡Aguante El Retal, Kasablanka y la gente que los gestiona así de bien!

 

Anyela tiene otros proyectos musicales como Pellejero o Traidora. Habladnos de estos u otros proyectos artísticos (no solo musicales), si los hubiese, con componentes de Haren implicadas.
Anyela: Sí, toco también en Pellejero la guitarra y gritos. De momento tenemos una demo chatarrera en vivo grabada por Grabadora Grabaciones en el local de ensayo cuando recién nos juntamos para tocar y otra demo que grabamos con Pablo Ruiz Serres. Las dos están en Youtube. Hemos tocado un par de veces por ahí también. Normalmente vamos Haren y Pellejero a todas partes, ya que cabemos todos en un coche, jajaja. Y de Traidora, bueeeeno, es un pajazo mental de singles en solitario. Mi amigo Nicolás me invitó a hacer parte de una compila de ruido que se llama ‘Es mejor solito ke contigo’. Está en su canal de Youtube (Disordera Records). Es un punk bastante activo en Colombia que graba gente y hace conciertos y cosas muy brutales. Me gustaría hacer y grabar más canciones, pero soy una vaga y aparte toco fatal. Pero bueno, cuando me da el venazo hago cosas de la mano de mi vecino Manuel. Él es el que siempre me graba ese proyecto.
María: Pues me iba a ir a Madrid a estudiar teatro, pero al final me voy a quedar fracasando en Murcia. He estado haciendo stand up comedy y el año pasado estuve de colaboradora en Murcia Underground, en TVM. Algo se cocerá este año por aquí. De bandas hice con Nacho (Pepsicolos, Pelacats, Llueve, capullo!) un grupo que se llama Blandiblú. Nos puedes oír en Bandcamp. Y Grabadora Grabaciones tiene subido un concierto horrible pero exquisito que hicimos con nuestro grupo Pacorálisis Pacopermanente, con Pepelu (Tumefactum, Pellejero), Teresa (Tumefactum, Yugoslavia) y Paco.

 

Me gusta aprovechar las entrevistas para mencionar al máximo de grupos posibles, así que os cedo el testigo: ¿Qué grupos de vuestro entorno (no solo geográfico) os gustaría recomendar?
Anyela: Grupos de ahora que me gustan mucho: Víctimas, Primer Régimen, Inyección, Azfixxia, Dishuman, Lumpen y uf, no sé, muchos, jaja.
María: Yo soy la quedabién, así que diré a los grupos amigos: Pelacats, Ataac, Yakuzza, Yugoslavia, NTP. Hay un grupo en Murcia que se llama Perdón que no es punk pero a mí me gusta mucho. En Almería tocamos con Ruina Pura, Extrío e Incisivas. Con Golpe de gracia y Tres Cuervos también nos llevamos estupendamente. Un saludico a todos. Perdón si me dejo alguno, jajaja.
Marta: Ahora mismo se me ocurren Verdugo, Arma X, Brux, Daga, The Chisel, Plastics, Taqbir, Primer Régimen, Fracture, Yakuzza y Dishuman. Un abrazo para todos nuestros amigos que hacen cosas. También aprovecho esto para mandar un beso para Esteban hasta que se lo pueda dar.

 

Para cerrar, ¿os han dicho ya que «Soy una marrana» debería ser un himno generacional?
María: Me llevo con Marta 7 años, así que generacional no creo que sea, jajajajaja. Creo que fue la primera canción que hicimos y le tenemos amor/odio de tantas veces que la hemos tocado. Casi no la grabamos, aunque yo me empeciné mucho.
Marta: La canción más querida por todos pero más odiada por nosotras, jajaja. Es cierto que la grabamos porque María se empeñó, pero cada vez que hay que tocarla en los conciertos es insufrible. Supongo que todo lo que le gusta a la gente este tema compensa lo pesado que es para nosotras.