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Una web de Alfonso Zaplana Pérez.

Una reseña del disco de Jipis Atómicos

Han sacado disco nuevo los Jipis Atómicos, también conocidos en los bajos fondos como los No Ketchoop pero con un batería que no se fue a vivir a Hamburgo. Está disponible por ahora en CD y lo estará en breve en cassette también, cuando quieran en Bulgaria. Que si no sabes de lo que te hablo, el grupo lo forman Moncho (que dice que tocó en A Palo Seko, como si alguien se fuera a creer que es el mismo payo y que yo lo vi tocando la guitarra en el Viñarock en 1999), Miguel (a.k.a. Guelo o Doctor Grijander, que es también guitarrista de NitroPollo, otro grupo estupendo, concretamente el que levanta el dedo cuando vienen las partes guapas) y Peter (al que no tengo el gusto de conocer, eso que se lleva). Son trece temas de punk rock básicamente, apropiado para aquella gente que gusta de hacer powerwalking los fines de semana, que disfruta aún del skate pero sus rodillas ya no tanto y que empieza a plantearse si los discos que NOFX sacaron hace más de 25 años compensan lo capullo que es Fat Mike. Lo puedes escuchar en Bandcamp y se lo puedes encargar en su página. Un disco muy guapo, a pesar de que ni en Madrid ni en Alcalá de Henares hay buenos sitios para esmorzar de forquilla antes de las 11 de la mañana y antes de ensayar o grabar.

 

 

Canciones y audios de Whatsapp. Y alguna cosa más


 

Este es un programa de canciones y audios de Whatsapp. Y alguna cosa más. Todo lo que suena está grabado con mi smartphone o sacado de plataformas o bibliotecas digitales. He usado para editarlo Audacity en el ordenador y varias aplicaciones de Android como MixPad, Super Sound o un cambiador de voz con efectos. Suenan canciones de Dame Area, Espiricom, Animadora, Úrsula Bravo, Mármol y Julio Iglesias, el principio de ‘Method Man’ de Wu-Tang Clan, una canción de Ainara LeGardon en directo, fragmentos de una charla de Servando Rocha sobre tatuajes y también de conciertos de Dame Area, Bigote Chino y Pionera, así como algunos efectos de sonido predefinidos y los audios de whatsapp que amablemente me han cedido algunos amigos. Perdón si suena mal, es solo un experimento.

 

Úrsula Bravo: “La colectividad es la única forma que conozco para existir”

Úrsula Bravo (Murcia, 1988) podemos presentarla como activista, creadora audiovisual, investigadora cultural, podcaster, experimentadora sonora, educadora experimental o diseñadora gráfica. En definitiva, una artista multidisciplinar a la que nos complace poder dar voz en este espacio.

 

 

En alguno de tus perfiles públicos te defines, entre otras cosas, como activista. Creo que esto describe muy apropiadamente cómo enfocas tu trabajo, en el que actualmente conceptos como la ecología sonora o la conciencia auditiva tienen bastante peso. ¿En qué medida crees que la experimentación y la investigación sonora requieren de una implicación, que pueda ir incluso más allá del propio arte, a la hora de relacionarse con la realidad que nos rodea?
El arte es la perspectiva que construye los mitos colectivos, el uso de la imaginación que supera las fronteras de lo posible en la producción de objetos y hechos. No sé si te refieres a ir más allá del hecho material, sólido. El trabajo con el sonido siempre trasciende las dimensiones en las que estamos habituadas a desarrollar nuestro eje de percepción sensible con la realidad. Pero afecta inevitablemente a la forma en la que lo sólido y lo real se habita.
Dentro del activismo tengo que hablar de esta campaña, para la reducción de la huella de carbono en la industria musical, una campaña preciosa ambientalista. https://musicdeclares.net/gb/declaration
Y celebro gratamente la conquista legal que las compañeras han conseguido otorgando derechos a la laguna del Mar Menor. Gracias a Indirect Film por documentar el proceso.

 

En una entrevista reciente decías que tus trabajos no te reportan directamente experiencias de satisfacción, pero sí de catarsis. ¿De qué forma piensas que el arte sonoro y la experimentación auditiva sirven, tanto para quien lo crea como para quien lo percibe, para canalizar emociones o como elemento liberador respecto a otros aspectos de la vida cotidiana?
Considero que la experimentación con el sonido nos ofrece unas prácticas que abren lo suficiente la estructura de la imagen, dando campos de composición más libres, además de ser lo suficientemente abstracto como para superar las barreras de las palabras y construir diálogos con colectividades, que pueden ir más allá de nuestra especie. En la cualidad empática que tiene el sonido, estoy trabajando en un discurso poético que define esa característica, que gracias a un error tipográfico me trajo la palabra “infonía” (del catalán infondre, que es el participio de infundar), que me abre esta cuestión: ¿Cómo la onda mecánica sonora, en su deriva frecuencial, puede sintonizarnos a través de golpear la superficie permeable de nuestra piel, tan profundamente, con significados emocionales de manera colectiva? Como si fuera una placa de Chladni pero a nivel sensible.

 

“La desindividualización hacia lo colectivo reduce las posibilidades de colapsar”, decías en esa misma entrevista en la revista ‘Who It’s Art?’. Iremos viendo a lo largo de este cuestionario cómo lo colectivo y las colaboraciones tienen gran importancia en tu actividad artística, pero para empezar, ¿cómo influye la colectividad en la formación de tu identidad creativa? ¿Y qué nos puedes contar del proyecto Las Petite Comité?
El otro día leía una frase por ahí que me pareció muy afilada. Se necesita una comunidad para criar a un artista. La colectividad es la única forma que conozco para existir. Pero supera las islas por afinidades o gregarismos.
Somos seres sociales, y la desindividualización no habla solo de superar el solipsismo con nosotros mismos como ego, sino que va más allá de la construcción cultural de lo que significa ser un humano, para acercarnos a la comunicación entre distintas especies. Habla de la superación de los límites culturales que definen nuestro ecosistema antropocéntrico.
El proyecto de Las Petite Comité (Isabel Flores, Eliana García, Puçanga, Úrsula Bravo) nació con la urgencia de empoderar a personas con distintas vulnerabilidades emocionales, que les impedían usar su capacidad expresiva en los espacios públicos por miedo al juicio de reclamar su lugar. Por no ser grandes instrumentistas, por no ser músicas ortodoxas. Era un espacio de reflexión en el que hablábamos sobre transfeminismos y creábamos discurso y práctica juntas. Pero se ha disuelto. El último ejercicio que realizamos fue en Samhain 2021, en el que propusimos una instalación sonora, en la que recopilamos discursos de distintas mujeres que expresaban su dolor ante las dificultades por ser mujeres. Afirmaciones como “claro, como tengo un hijo no me van a dar ese trabajo”. Enterramos un altavoz en el suelo, con la intención de construir una tumba simbólica de todas las muertas que por levantar la voz han sido asesinadas.
Aunque quizá vuelva a resurgir. Sigue siendo una práctica necesaria, siempre que encontremos espacios amables y afectivos que acojan estás prácticas. Porque Murcia, buf, no veas el cachondeo.
https://www.instagram.com/p/CWlQ84dq38O/
https://www.instagram.com/p/CVQfjRcsmWP/

 

Otro proyecto en el que estás involucrada es el Laboratorio Experimental Do Som de las Azores, dedicado al estudio de la naturaleza de la cultura aural, los paisajes sonoros y las múltiples formas en las que el sonido se puede usar. ¿Podrías explicarnos con más detalle en qué consiste el trabajo de este espacio?
Es un programa cultural que se activa con la potencia de cambiar lo que entendemos como realidad desde su distintas vertientes, desde las rítmicas de la sociología, antropología, estética, y se nutre de las corrientes filosóficas del nuevo materialismo, y algo de física experimental. De momento es un proyecto piloto que se va a intentar aplicar el año que viene con unos talleres de grabaciones de campo para la divulgación y práctica de la ecología sonora, estén atentos, será bonito.

 

 

Últimamente has participado también en varias residencias de arte sonoro (Lux in Tenebris, CAMPfr, Nomadic Soundsters, etc). Háblanos sobre tu intervención en estas y sobre planes futuros en esta línea.
En estas residencias, por ejemplo en Nomadic Soundsters, no conseguí aportar más a la colectividad porque estaba muy agobiada y estresada con algunos proyectos y lo tuve que dejar apartado a un lado dejando a mis compañeros…
Lux in Tenebris fue una experiencia muy hermosa, aprendí mucho con los mentores. Nos facilitaron trabajar en equipo para una gran producción, los juguetes, el equipo de personas, además de tener el lugar adecuado para reflexionar creativamente sobre lo que significa el mito católico siendo una mujer, y sobre cómo se utiliza el terror para construir su base de poder.
CAMPFR está simplemente increíble. He tenido la oportunidad de conocer, cohabitar e intercambiar experiencias con artistas impresionantes, como Aviva Rahmani, Chris Watson, la banda Deerhoof, Francisco López, Mark Feld, Zoe McPherson, Florence Peake, entre otrxs. Recomiendo encarecidamente los workshops de CAMPFR, son una experiencia única en su especie. Sus fundadores son lxs artistas más fabulosxs que conozco. Masters del arte relacional.

 

Las colaboraciones y residencias te están llevando a lugares como Budapest, los Pirineos franceses y catalanes, las islas Azores o Grecia. ¿De qué forma contribuyen estos viajes a la definición de tu faceta como creadora, investigadora y experimentadora?
Este año postpandémico y post trauma me está salvando de la extinción como persona. Soy una luchadora, pero casi me destruye. Así que agradezco al karma el flujo del movimiento que el arte ha agotado como inevitabilidad.

 

Otra parte importante de tu trabajo es el de la pedagogía experimental y sonora, las intervenciones educativas sobre paisajes sonoros. Imagino que entra en este campo la actividad de Paisajes Sonoros Murcianos. ¿En qué consistía exactamente? ¿Tenéis pensado repetirlo próximamente? ¿Tienes planificado realizar en breve alguna otra intervención pedagógica de este tipo?
En este taller trabajábamos la consciencia acústica interespecie, entendiendo nuestra huella sonora en el mundo y como, cuando entramos en el estado de escucha, nos molesta hasta nuestra propia especie, como la especie humana utiliza métodos violentos para comunicarse y como en la cultura occidental han sido eliminadas las practicas sensibles de reconocernos con el medio natural, y ahora en el poscapitalismo estamos intentando recuperar las formas en las que se relacionaban nuestrxs ancestros con la naturaleza y el territorio, entendiendo los ciclos, los biorritmos etc. Para el año que viene estamos preparando unos pequeños talleres con el proyecto 432Hz, relacionados con estas prácticas.

 

En lo relativo a tu faceta como creadora audiovisual, tus obras más recientes son ‘Survival’, una colaboración con Martín López, en la que él toca la batería y tú te encargas de los sintetizadores y el videoarte, y un tema de 12 minutos publicado a través del sello Vultureculture. En este campo (grabaciones, conciertos, performances, instalaciones, etc), ¿en qué estás trabajando ahora mismo?
Acabo de lanzar con Vultureculture Label un peque álbum llamado Clima (climate en inglés), en el que sintetizo paisajes sonoros naturales deformados que hablan de una atmósfera contaminada, y cómo resuenan los seres en este nuevo espacio no natural.
https://vultureculturelabel.bandcamp.com/album/climate
También estoy trabajando con mi amigo del que estoy enamorada como artista, Pablo Jordán, en un proyecto audiovisual, al que llamamos Cave. Aquí podéis escuchar el single que lanzamos en pandemia:
https://youtu.be/EyjGBBUGU1g

 


 

Formas parte de la organización del festival de arte sonoro y músicas raras Samhain de Murcia que se celebra cada año el 31 de octubre (o fecha cercana). ¿Puedes contarnos algo sobre lo qué tenéis preparado para esta edición? Por cierto, ¿qué es el tecnochamanismo?
Por desgracia el año pasado fue la última edición. Utilizábamos la palabra tecnochamán como un neologismo que definía las prácticas rituales a través de formas contemporáneas de dispositivos tecnológicos.

 

He estado escuchando la última entrega de tu podcast en Tesla FM, Espace Plein, y me ha parecido un complemento idóneo para el resto de tu obra, una especie de diario o making of de la misma, al que llamas documental radiofónico experimental. ¿Qué más nos puedes decir sobre este? ¿Planificas sus contenidos o dejas que estos simplemente vayan surgiendo?
Son pequeños documentales autobiográficos. Muestran parcialidades abstractas de lo que habito durante ese mes de producción. Compongo la música que acompaña esas derivas y a veces se apoyan en textos que fundamentan mi discurso.
Va surgiendo, y como la vida es así de hermosa, muchas veces tengo el honor de que mi hábitat sonoro resuene con las manos de artistas preciosxs. Fue mi primer ejercicio seriado de piezas sonoras y estoy eternamente agradecida a Shak por su paciencia y dedicación.

 

He dejado para el final el diseño gráfico, que es tu formación original, pero no quisiera terminar sin hacer mención. Entre otras cosas has realizado diseños para el sello de música experimental vultureculture. ¿En qué otros diseños estás trabajando en la actualidad o has trabajado recientemente?
Pues gracias a mis queridos Andrés Navarro y Emilio Saura, que me propusieron la comunicación gráfica del festival de percusión Coper_accion, que se celebró a principios de septiembre en Cartagena. A los que no tenéis que perderle la pista, mueven y trabajan un flujo de composición contemporánea y pedagogías experimentales muy interesantes. También estoy editando un manual para la liberación económica, para compartir la hermosa paparajotería.
Murcia da un poco de asco, es muy difícil que te contraten en algún estudio si no eres lameculos, o que cuenten contigo para compartir trabajo. Eso sí, si transgredes te van a sacar hasta los ojos, pero olvídate de ver dinero.

 

ANIMADORA: “Un ejercicio de honestidad vehemente”

Capas, distorsión y reverb en abundancia al servicio de las atmósferas envolventes, dando forma a evocadoras canciones de shoegaze cantado en castellano. Así suena ANIMADORA, el nuevo proyecto en solitario de Andrea Podadera, del grupo de Neon October, que nos presenta a continuación.

 

 
Formas parte del grupo Neon October, con un estilo similar al de este nuevo proyecto, pero has decidido lanzarte también con esta nueva andadura en solitario. ¿Qué supone para ti Animadora personal y artísticamente en este momento?
Hacemos un estilo similar en cuanto a crear atmósfera, el rollo ensoñador… pero es más suave. ANIMADORA es un ejercicio de honestidad bastante más vehemente, más bruto, y ha salido con tintes más ‘doom’, en una línea más oscura y “agresiva”. Me apetecía probar por ahí y llevaba tiempo queriendo hacer algo diferente; algo más en sintonía con la yo del presente. Es algo que se ha ido cocinando a fuego lento durante años y que, por algún motivo, no me he atrevido a materializar antes. También por todo lo que conlleva representar y representarse en un proyecto exclusivamente propio.

 

En tu presentación en sociedad hablas de lo visceral, de la pulsión y, en definitiva, de lo necesario de hacer música. Pero a la vez mencionas la nada y la indecisión. ¿En qué momento sentiste que la barrera estaba superada?
Qué pregunta tan complicada, jajaja… La verdad que dicho así suena a contradicción enorme (que lo es), pero yo sí siento que esas palabras son compatibles las unas con las otras. Te mencionaba antes lo del ejercicio de honestidad, y al final es un poco eso: sentir “la llamada”, poner las palabras sobre el papel y echar unas cuantas vísceras en el proceso. La indecisión es una neblina que convive en mi cabeza y no paga alquiler. Ha estado bien presente todo este tiempo (hacer las canciones, publicarlas o no). Y a la nada, a pesar de ser un espacio vacío, extraño y extenso, tengo mucho que agradecerle (venció a la indecisión). Es el reseteo, el partir del punto 0.

 

El proyecto, aunque sea algo individual en lo creativo, nace con idea de llevar las canciones al directo y así será. ¿Quiénes forman tu nueva banda?
Estaría bien llevarlo al directo a lo Planning for Burial, pero está complicado y, la verdad, me gustaría aparcar por un rato la guitarra y centrarme más en la voz o darle al sinte. Así que sí, estoy buscando músicos. La idea es replicar, en la medida de lo posible, el sonido de lo que salga del estudio.

 

El debut en directo será pronto, el 5 de noviembre en el Festichachi, festival de disqueras independientes de Madrid. ¿Hay más conciertos en breve a la vista?
Alguna cosa hay, pero está por confirmar. Veremos qué sale antes de finalizar el año. Para 2023 sí que espero montar más de un bolo, la verdad.

 

De momento has publicado dos canciones en plataformas, que sirven como adelanto a un próximo EP. ¿Cuándo está previsto que se publique? ¿Recurres a la autoedición? ¿Habrá edición física?
Si te soy sincera, no tengo una fecha fijada para publicarlo, funciono con un libre albedrío acojonante. Y por ahora todo en digital. Soy pobre y no puedo costearme una edición en físico, jajaja.

 

El tuit fijado en tu cuenta de Twitter es un hilo sobre portadas de gran belleza. Una gran responsabilidad ahora que te toca a ti publicar, ¿no?
Jajajaja, esta pregunta tiene picardía. Me gusta mucho indagar, coleccionar, clasificar… el cover art de álbumes que me gustan. Pero con lo mío no sabía ni por dónde empezar. Hay varias ideas en marcha y lo voy a dejar un poco en manos de otros (una amiga, en este caso). Como no hay fecha fijada, tenemos tiempo.

 

Aunque afincada en Madrid, procedes de Málaga. El otro día, gracias a una recomendación tuya en redes sociales, descubrí a tus paisanos the only traces left of sunken ships. ¿Con qué otros grupos de una parte o de otro, o de cualquier lugar, te sientes hermanada o identificada?
TOTLOSS son geniales, vienen a Madrid el 27 de octubre, si no me equivoco. Hay que ir a verles.
En cuanto a sentirme identificada o hermanada, me es difícil responder a esto, no lo he pensado mucho. Sé hablarte de artistas o iniciativas que me gustan, o toda esa escena subyacente con géneros más como el screamo, el hardcore o el punk que se me hace más inclusiva y acogedora.
Lo que se hace en CSA Las Vegas, por ejemplo, me parece súper guay. Llevo mucho sin vivir en Málaga y, quizás es porque no estoy ahí y no me llega todo, pero tengo la sensación de que la pandemia (y otros factores) se han cargado un poco la escena local y el underground. Y CSA intenta mantenerla a flote pese a las dificultades. Sí que creo que son necesarios más espacios así, y me siento más parte de ellos que de otros. Sobre todo en mi ciudad.

 

Para acabar, ¿cuántas veces al día estás pensando en alguna canción, propia o ajena, y te dices: yo a esto le metería alguna capa más o yo a esto le ponía más reverb?
Es un pensamiento constante con composiciones propias. A veces es difícil saber cuándo parar, y te obligas. Lo que sí me pasa con canciones de otros es que las voy escuchando y, de repente, resuenan elementos en mi cabeza. Entonces entro en las notas de móvil y voy escribiendo lo que surja: letra, un riff, una melodía aleatoria… Luego intento recolocarlas para ver si tienen algún sentido. Encuentro inspiración en ellas pero no me obceco con el sonido o con detalles técnicos. No soy muy amante de la técnica en general.
Y con la reverb tengo un problema, y es que nunca me parece suficiente. Otra cosa con la que hay que obligarse a parar.

 

Lonja Negra: “El objetivo es rascar todos los márgenes que se pueda”

Lonja Negra es un grupo de gente, con afinidad personal y creativa, implicada en la música, el diseño gráfico o la ilustración, entre otras disciplinas artísticas, que ha decidido dar un paso al frente y empezar a programar eventos en Murcia desde un enfoque underground. En su presentación en sociedad hablaban de contribuir a reparar un tejido cultural, de hacer las cosas de otro modo, de militancia underground y de “metal herético, rock esdrújulo, dub cósmico, electrónica escurridiza o gritos industriales”. Se estrenaron el pasado mes de septiembre, con La Madriguera y el bar Ocio como sedes, y ya tienen su programación cerrada para lo que resta de año. El sábado nos esperan nuevamente en La Madriguera, y después en Moss, para la segunda entrega de este primer ciclo. No podía dejar pasar la oportunidad de hacerles unas cuantas preguntas.

 

 

Que surja un colectivo como el vuestro es bastante lógico. Pero me gustaría saber un detalle concreto: ¿En qué momento y en qué contexto alguien propuso pasar a la acción y obtuvo por respuesta un “adelante, montemos nuestros propios saraos”?
Pues era como el elefante en la habitación. Se habló más de una vez que, en ciertas historias que había en Murcia, siempre estábamos los mismos. Asociarse es un paso lógico.

 

Es evidente que son tiempos difíciles para todo lo que se aleje de las corrientes principales. ¿Pensáis que es imprescindible la autogestión en la actualidad o una simple alternativa?
Nunca diría imprescindible, pero sí que en Murcia falta esa parte de alimentación desde una red que existe en España y por extensión en Europa. Algunos artistas que van a venir a estos primeros eventos no hubiesen tenido la oportunidad en las corrientes principales en este momento por la saturación que existe en estas. Es una especie de cuello de botella. No todo lo que haga un músico puede estar supeditado de una forma tan grande al rendimiento económico. Es que hasta bandas que se garantizan cantidades considerables de público están cancelando giras porque no les dan los números, se ven muchísimos casos.

 

Habéis escogido La Madriguera como sede para vuestros eventos. Personalmente me agrada mucho este lugar, me recuerda a otros en los que he pasado buenos momentos, como el antiguo local de La Nave o El Quirófano. ¿Qué os ha llevado a esta elección? ¿Os sentís identificados con proyectos del pasado como Colectivo Moog o Cores & Danzas?
Claro que sí. Lo que pasa es que, el problema de las cosas hechas por el amor al arte, es que acaban agotando a la gente, hay que ir dando relevos. La Madriguera lleva varios años y son gente buena, humilde y que cree en lo que hace. Nos gusta mucho el espacio.

 

Aunque estuve presente en vuestro primer concierto, con Davidub, Pionera y Nepal Napalm (que tuvo continuación en Ocio con Agustín García y Tobías), me gustaría conocer cuáles fueron vuestras sensaciones en esa noche de estreno…
A pesar de no poder anunciar con mucha antelación, fue muy satisfactorio. Vino bastante público y se disfrutó mucho.

 

Es fácil comprobar que en determinados conciertos en nuestra ciudad las personas que asistimos tenemos ya una edad. ¿Creéis que existe una posibilidad de relevo generacional para este circuito underground?
Siempre. Cambian los códigos y la realidad ahora es distinta, pero siempre creo que va a haber un relevo generacional. Sería genial que aportásemos a que eso ocurra.

 

Los conciertos de Lonja Negra vienen acompañados por posteriores sesiones en Ocio o Moss. Más allá de lo que son los grandes festivales, ¿pensáis que la electrónica y lo que podríamos llamar cultura de club están ninguneados en la actualidad en nuestro entornos social, cultural y mediático?
Hace años estaban más cerca y creemos que suman un todo que alimenta a ambas escenas, que tienen mucho más en común de lo que parece, tanto en la forma como, sobre todo en el fondo. Es uno de nuestros objetivos.
El próximo sábado tenemos un lineup entre La Madriguera y Moss que, la verdad, estando feo que lo digamos nosotros, es de una calidad enorme.

 

 

Aunque ya conocemos el cartel de vuestros tres próximos conciertos, ¿por qué no nos hacéis una pequeña presentación de estos?
Pues me extiendo un poco más con el primero puesto que lo tenemos este mismo sábado. Por un lado tenemos a Dame Área, que es una de las propuestas más rompedoras y especiales que tenemos en España, y no es fácil verlos por aquí abajo. Su directo de hace unos meses fue una pasada. Después tenemos a Espiricom, que encima publican un disco brutal y producido por Óscar Mulero (otra muestra más de cómo la música de banda y la electrónica se tocan) el día antes. Además para esa noche tenemos la colaboración con Ombra Festival repartida entre La Madriguera y Moss. En la primera, además de los mencionados arriba tendremos a PanDemian, de We Are Not Brothers, una de las cosas más aguerridas que te puedes tirar a la cara ahora mismo y todo por doce pavos.
Después ya en Moss, por parte de Ombra tenemos a RNXRX! y a Serx Einheri que son otra pasada, y añadimos desde Lonja a talentosos de aquí como Agustín García, Tobías y de remate a Comisarios de la Luz (Dame Área). El evento es magnífico.
En cuanto a los siguientes, para noviembre, el 18, tenemos a Balcanes, que también tienen disco recién salido y es un pepino. Otra cosa dificilísima de ver por aquí abajo. Esa noche se acompañarán de Pau From Marc, banda de Marco Velasco y Paula Sal, que el año pasado sacaron uno de los discos más chulos en este país y que encima son de la tierra. Además seguro que ya tiene cosas nuevas que ir presentando. Por último, el día 23 de diciembre tenemos a uno de los hijos predilectos de la ciudad, Fur Voice, otro con discazo nuevo y talento para aburrir y a Salva Alambre, que seguro que también trae sorpresas.
De momento es lo que hay, pero estamos muy orgullosos de esta programación, la verdad.

 

Viendo la programación anunciada hasta ahora, el nexo en común, más que los estilos musicales, que son de lo más variopinto, es el gusto por los márgenes, por la experimentación. Pensando en el 2023, ¿qué proyectos tendrían cabida en Lonja Negra? Podéis dar nombres concretos si os apetece…
No podemos dar nombres pero estamos en ello. Pero el objetivo siempre es ese, rascar todos los márgenes que se pueda.

 
Para terminar, ¿se puede saber quiénes conforman Lonja Negra o es este un colectivo que forma parte de la tradición de sociedades secretas?
No es especialmente relevante, creo. Hablo en primera persona del plural porque, al final, solo somos gente que nos respetamos y admiramos y queremos unir fuerzas.
 

Unas cuantas canciones favoritas de 2022: Septiembre

Septiembre aún es verano, pero por fin hemos podido cerrar las ventanas para dormir. Diría que ha sido, en términos generales, un buen mes. Un mes en el que por fin he conocido en persona al gran Juarma después de muchos años de contacto virtual y en el que me he reencontrado, aunque haya sido de forma un tanto fugaz, con gente a la que admiro, como Ainara LeGardon y Servando Rocha. Un mes en el que por fin he podido ver actuar en directo a bandas como Bigote Chino, Pionera o Nepal Napalm. Y un mes para conocer nuevos e interesantes proyectos ajenos, como los Encuadernados Sin Suerte de Josemi Torregrosa o los eventos del colectivo Lonja Negra, y para empezar a dar forma a nuevos proyectos propios. Pero de eso hablaremos otro día, que lo de hoy va de canciones favoritas. Vamos con las 12 de septiembre.

 

 

 

DEERHOOF ‘My Lovely Cat’
Lo que más me fastidia de haberme perdido el Canela Party este año es no poder haber visto en directo a Deerhoof. La banda encabezada por Satomi Matsuzaki es de las pocas que en la actualidad me atrevería a calificar como algo original, siendo consciente de que realmente es un oxímoron lo de hablar de actualidad y originalidad en una misma frase. ‘My Lovely Cat’ es su primera canción publicada después de su maravilloso disco de 2021, ‘Actually, You Can’, y está dedicado a todos los gatos o quizás a la famosa gata de su productor Mike Bridavsky, Lil Bub, fallecida en 2019.

 


 

ALIMENT ‘Com Espines’
El 11 de noviembre La Castanya publicará ‘Incondicional’, el nuevo álbum de los barceloneses Aliment. Llámalo punk rock, llámalo post punk, el resultado es el mismo: te golpea, te abrasa y cuando termina dices “sarna con gusto no pica”.

 


 

WEDNESDAY ‘Bull Believer’
“Menuda semana, ¿eh?”, dice Haddock. “Capitán, es miércoles”, le contesta Tintín. Me ha venido a la cabeza este conocido meme, por el nombre de la banda, claro, y por los ocho minutazos que dura. “Loud (and long and fun)” dicen con gran tino sobre el tema en cuestión de la banda de Asheville, North Carolina, que publica Dead Oceans, casa de Khruangbin, Mitski, Aaron Frazer, Phoebe Bridgers, Japanese Breakfast o Marlo Williams, entre otros.

 


 

WOOLEN MEN ‘Why Do Parties Have To End?’
Dos años después Woolen Men vuelven con la quinta entrega de su “club del single”. Una versión de Napalm Beach, sus paisanos de Portland y banda de los 90, dedicada a la memoria de sus componentes Chris Newman y Sam Henry, fallecidos recientemente. Se rumoreó sobre la separación de la banda, pero Lawton Browning y Raf Spielman lo desmienten con esta nueva canción y avisan de que, aunque no hagan conciertos, van a seguir publicando singles de esta manera cuando les parezca conveniente.

 


 

ANIMADORA ‘Holograma’
Animadora es el nuevo proyecto en solitario de Andrea Podadera, del grupo de Neon October. Se estrena con este ‘Holograma’, una canción de shoegaze evocador, cantado en castellano, en la que, como ella misma indica, plasma su gusto por las capas y la distorsión. Atmósferas para quedarse a vivir.

 


 

KATOVIT ‘Dejadnos en paz’
En 2023 Caballito Records publicará el primer disco de los madrileños Katovit, del que ya han adelantado un par de canciones. En la misma sesión grabaron algunas canciones más, que quedarán fuera del disco, pero que han empezado a compartir en plataformas con esta como primera muestra. Si no fuera porque al final, aunque me fastidie, la mayor parte de la música que escucho lo hago en plataformas empezaría a pedir dimisiones, porque vaya tema… Mezclado y masterizado por Borja Pérez, que como buen oriundo de Sant Feliu de Guíxols siempre aporta cosa fina.

 


 

CAREER ‘Tomato Garden’
Bingo Records tiene en su roster a los escoceses U.S. Highball, a los galeses The Bug Club y a los ingleses Career. No me hace falta más para rendirles pleitesía. El 2 de diciembre publican el nuevo disco de estos últimos, londinenses concretamente, que pone punto y seguido a su EP de debut, uno de mis favoritos de 2021. Ritmos urgentes lo llaman, de camino al saco del post punk, pero toda palabrería se queda corta ante la pegada de sus canciones.

 


 

MEAT WAVE ’1Ok’
El 14 de octubre se publica ‘Malign Hex’, lo nuevo de Meat Wave, a través de Big Scary Monsters y Swami Records, el sello de John Reis (Rocket From The Crypt, Hot Snakes, Drive Like Jehu, Plosivs, etc). Es el quinto largo del trío de Chicago y este ’10k’, que parece que será el último adelanto antes de su publicación, es el más certero de lo presentado hasta ahora, siguiendo en esa línea que ellos mismos han definido simplemente como punk.

 


 

BLOODSHOT BILL ‘Busted Tail’
Tras más de dos décadas de trayectoria, ‘Songs from the Sludge’ será el primer disco totalmente instrumental de Bloodshot Bill. Esta canción, primer adelanto, anticipa ritmos exóticos y aires surferos en el nuevo trabajo del músico de Montreal, un grande del rockabilly y el sleaze.

 


 

RON GALLO ‘Entitled Man’
Este es el primer sencillo que publica Ron Gallo a través del mítico sello Kill Rock Stars, anticipo de lo que será un próximo disco, el cuarto largo de su carrera en solitario. Con The Stooges, Harry Nilsson y Andy Kaufman como referencias, el músico de Philadelphia se despacha a gusto a base de ingenio y ritmos garajeros contra la tolerancia de la sociedad hacia la masculinidad tóxica y la “mierda exasperante, espeluznante y extraña con la que lidian regularmente las mujeres”.

 


 

ESPIRICOM ‘El daño no puede dañar al rayo’
Creo que en Murcia no somos conscientes del todo del privilegio que es compartir escena con un músico como Alfonso Alfonso (Schwarz, Artificiero, Espiricom, Nepal Napalm, etc). Hoy toca hablar de Espiricom, el grupo que comparte con Fran del Valle (Perro), pero podríamos hablar de cualquier otro de sus proyectos y las alabanzas serían similares. Su segundo disco se titulará ‘Nuevo Orden Mágico’, lo publican Batir Records y Goecia el próximo 14 de octubre y este es su primer adelanto. Rock, electrónica y psicodelia al servicio de nuestro particular misticismo.

 


 

DESERT ‘Ja No Et Tinc’
Decía ayer Quique Ramos en Twitter sobre este single de Desert: “Hace 10 años que sueño con este disco y por fin puede escucharse la primera canción” y a mí, después de escucharlo y ver el videoclip realizado por Mau Morgó y Diana Kunst, solo se me ocurrió añadir el emoticono aquel que parece ‘El grito’ de Munch. El dúo barcelonés, formado por Cristina Checa y Eloi Caballé, tras pasar por La Castanya, dan el salto a Primavera Labels para la publicación de este disco. A la vista de este primer adelanto, profundizan en su estilo entre el indie electrónico y el dream pop, cantado en catalán, y lo retuercen un poco más hacia terrenos aún más sugerentemente oscuros.