Cosas Transparentes

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ARTE POP!

Lo cierto es que no hay una definición única y exclusiva de Arte Pop, dependiendo del punto de vista, podemos explicar esta expresión como un juego de palabras, un estilo de vida, un término generacional, un nuevo concepto artístico... Digamos que Arte Pop es, en general, la esencia de un extenso movimiento cultural de los años sesenta. El adjetivo “pop” aplicado a la palabra “arte” sugiere que éste está vinculado a la sociedad en la que nace y, por tanto, incluye dentro de sí tanto perspectivas optimistas como catastrofistas: elementos contradictorios pero que conviven en toda sociedad.

El Arte Pop muestra, mediante sus temas, formas y medios, los rasgos culturales de los años sesenta, principalmente: el estado de ánimo de la gente, su forma de vida, lo que consumían, su vida diaria, sus realidades... En definitiva, el Pop centra su atención en “los mitos de la vida diaria” que se manifiestan en la cultura de consumo, los medios de comunicación de masas y la tecnología, con su cara positiva y su cara negativa. El optimismo en el progreso y la decadencia que éste presenta, el miedo a la catástrofe; el sueño y el trauma, el lujo y la miseria, la chatarra. Las ilusiones unidas al consumismo y al despilfarro, el culto a las estrellas en contraste con el anonimato de la gente corriente; a la vez, la fragilidad y frustraciones de estas estrellas, como vemos, por ejemplo, en la figura de la famosa Marilyn Monroe, retratada tantas veces por Warhol.

En el contexto histórico del Arte Pop, encontramos tanto avances tecnológicos e industriales, boom económico, como la guerra en Vietnam, asesinatos como el de Kernnedy, conflictos raciales en los Estados Unidos... Esta heterogeneidad de circunstancias se tenía que reflejar en el arte del momento de alguna manera.

El Arte Pop es una manifestación cultural absolutamente occidental que tiene a Estados Unidos como centro, que refleja la americanización del mundo, el capitalismo... tratando de analizar esta situación, las conquistas industriales y su absurdo, sus límites y poder sobre las masas.

Otro rasgo importante de este arte es manera de reflejar y reforzar los cambios de pensamiento, mirando con frecuencia hacia lo “underground”, prestando atención a todo aquello que hasta entonces no había sido interesante para los artistas. Se produjo una revalorización de lo trivial a muchos niveles. Lo “kitsch” y las imágenes de la industria de consumo conformaron una nueva iconografía a base de latas de Pepsi y de Coca-Cola, botellas de cerveza, dólares arrugados, tenedores, banderas americanas, etc. Los artistas ponen sus ojos en el diseño industrial, en los elementos seductores que manipulan a las masas. Estos elementos producen una impresión un tanto chocante en sus obras porque están en un contexto inusual, porque muestran las cosas como son.Y siempre con una conducta provocativa, revolucionaria, rompiendo tabúes, mostrando las nuevas ideas de emancipación de la mujer y liberación de la sexualidad. Algunos periódicos marginales y fanzines se convirtieron en la voz de esta nueva concepción de la vida.

Qué es?

Breve Historia

Algunos artistas

Pequeña Galería Pop

Andy Warhol: Marilyn, 1962

Jasper Johns: Double Flags, 1962

BREVE HISTORIA

Aunque podemos encontrar algunos de sus precedentes ya en los años cuarenta, se suele establecer la segunda mitad de los años cincuenta como fecha del nacimiento del Arte Pop. Es en esta época cuando empieza a declinar el interés en el Expresionismo Abstracto y algunos artistas vuelven sus miradas a otras vanguardias, las “no admitidas” como el dadá o el surrealismo. No obstante, no son éstas las únicas fuentes de las que bebe el nuevo arte, sino que hay otras muchas; para hablar de ellas, es necesario diferenciar dos zonas geográficas concretas en las que tuvo lugar la “doble vida” del Arte Pop: Estados Unidos e Inglaterra.

ESTADOS UNIDOS.

Aquí cobran mucha importancia ideas tomadas del Expresionismo Abstracto (la gestualidad, por ejemplo), las originadas por las experiencias de John Cage con diversos medios, las surgidas de Allan Kaprow y el “arte de acción” y las provenientes de obras de ensamblajes de artistas como Jasper Johns o Robert Rauschenberg, que pegaban en sus cuadros objetos procedentes de las calles de Nueva York (radios, botellas de Coca-Cola, ventiladores, bombillas, etc...).

Estas ideas, sin embargo no se hayan resumidas y coordinadas en un manifiesto, pues en realidad no hubo ningún movimiento organizado de Arte Pop en Estados Unidos: cada artista desarrollaba su labor de forma personal. ¿Por qué hablamos entonces de un “movimiento”? Pues porque todos esos artistas tuvieron ciertas cosas en común, cosas que eran fruto de la época, de sus avances tecnológicos y sus características sociales.

La mayor parte de artistas Pop, por ejemplo, tenían o habían tenido antes contacto con el arte comercial o habían sido diseñadores. Por ese motivo, utilizaban en sus obras colores simples y agresivos como los que encontramos en los carteles publicitarios. Además, aprovecharon las técnicas de producción mecánica e hicieron del mundo industrial uno de sus temas favoritos. Warhol afirmaba que lo que los artistas pop pintaban era lo que “cualquiera que fuese paseando por Broadway reconocería al instante: tebeos, mesas de Picnic, pantalones de hombre, celebridades, cortinas de baño, neveras, botellas de Coca-Cola”. Así que el universo de signos que brotaba de la cultura de masas era el denominador común de estos artistas, aunque el tratamiento que le daban difería mucho de uno a otro.

INGLATERRA

El Arte Pop nace en Inglaterra antes que en Estados Unidos, debido a la preocupación de artistas, arquitectos, escritores y críticos jóvenes que se reunían a partir de 1952-53, en el “Independent Group” dentro del Institute of Contemporary Art (ICA) en Londres. Estas personas estaban social y culturalmente muy alejadas del arte y la cultura “establecida”, pertenecían a la clase obrera y la pequeña burguesía.

Sus bases eran el rechazo hacia el arte institucional británico, su atracción por la “Pop culture” (películas, publicidad, ciencia ficción, rock & roll...y, en general, objetos de consumo masivo “definitorios” de su época. Así, en una de las primeras exposiciones de los artistas pop ingleses, llamada “This is tomorrow”, Hamilton y McHale presentaron, entre otras cosas, una rocola que emitía continuamente discos de moda y una foto ampliada de Marilyn Monroe en “La tentación vive arriba”.

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A continuación os presentamos la vida y obra de algunos artistas, siendo conscientes de que nos dejamos unos cuantos nombres importantes en el tintero (Wesselman, Rauschenberg, Palaozzi, etc) de los que no nos olvidamos sino que nos guardamos como ases en la manga para próximos fanzines.

Algunos Artistas: Hamilton, Hockney, Litchenstein, Johns, Ramos y Warhol

Richard Hamilton: nace en 1922 en Londres. En 1934 asiste a clases nocturnas de arte. Más adelante, trabaja en unos estudios de arte y publicidad, y luego se hace dibujante industrial.

Su primera exposición, titulada “Growth and Form” tiene lugar en 1951 en Londres, en el Instituto de Arte Contemporáneo. En 1952 se convierte en docente universitario en la Central School of Arts and Crafts, donde conoce a Paolozzi, con el que participa en la fundación del “Independent Group”, en el ICA. En 1956, realiza su primer collage pop, el famo“¿Qué es lo que hace los hogares de hoy tan diferentes, tan atractivos? (esta obra la incluimos como mini-póster de regalo en el fanzine de papel), que presenta la perspectiva de un concepto del arte nuevo y general. Este cartel estaba pensado como cartel para la exposición “This is Tomorrow”, en la que se tocaban temas como los ámbitos de la comunicación, la vivienda, el diseño y la técnica. El título del collage procedía de la publicidad. En esta obra temprana del pop, Hamilton muestra una selección y una acumulación de clichés de moda, combinando símbolos con imágenes de productos: el aspirador, el teléfono, la nevera, el tocadiscos... aparecen imbuidos en un ambiente nostálgico y cutre a la vez. El mal gusto y lo simpático se dan la mano en esta obra. El culturista que aparece a nuestra izquierda sostiene un chupachú gigante en el que leemos “pop”. Hay quien dice que de ahí viene el nombre del movimiento artístico, pero en realidad no es así. Simplemente, la palabra “pop” definía mejor que ninguna otra a este arte de “lo popular” y por eso cobra importancia no sólo conceptualmente sino formalmente. Es decir, la palabra “pop” también se convierte en arte, al igual que otros vocablos como “Love”, “Nice”, etc.

David Hockney: nace en 1937 en Bradford (Inglaterra) y, según declara más adelante, a los once años decide que quiere ser artista, siendo para él “artista” tanto el hombre que hace las postales de Navidad como el que pinta carteles. Estudia en el Royal College of Art de Londres, donde conoce a R.B. Kitaj y a otros fundadores del Arte Pop inglés. Estudia las pinturas de los expresionistas abstractos americanos. A partir de 1960 comienza a exhibir sus pinturas en las exposiciones para Jóvenes Contemporáneos de la galería RBA de Londres. Viaja a Nueva York, a Egipto, a Los Ángeles, donde conoce a Warhol y a Hopper y donde más tarde se traslada a vivir. Allí pinta su primer libro de piscinas y realiza sus primeras Polaroids. Luego viaja a Italia , Francia, Alemania, Irlanda y realiza numerosas exposiciones. Además, diseña los decorados de óperas de Stravinsky, Satie, Ravel... En 1981 viaja a China y durante ese tiempo, escribe un diario (muy interesante).

Una frase muy famosa de Hockney es “I paint what I like when I like and where I like” (“pinto lo que quiero, cuando quiero y donde quiero”). Para el artista, sus experiencias personales tiene una importancia especial en su forma de pintar, así en el libro “David Hockney sobre David Hockney” explica detalladamente las fuentes esenciales de su universo visual. Busca la armonía de forma y color, de manera que en sus cuadros se manifiestan en condición de igualdad el diseño de una silla, el rostro de una persona, el color de una cortina y la ingenuidad, la alegría y la broma, pero también la melancolía, el aburrimiento y la añoranza. Destacan en sus obras el cuidado en las líneas, que dibujan figuras sensuales y sencillas, siempre elementos reconocibles de la cultura en la que vive, como sus famosas duchas.

Roy Litchenstein: 1923 es su fecha de nacimiento. Estudió en la Universidad de Ohio, donde también ejerció de profesor. Su primera exposición individual tiene lugar en el 51. Trabaja como dibujante publicitario y técnico, así como de diseñador de ventanas y chapas de acero.

Después de pintar a la manera de los expresionistas abstractos, empezó a representar comics en sus cuadros, de manera fría y mecánica, introduciendo también elementos de la publicidad y del mundo del consumo masivo. De cualquier forma, hay que tener en cuenta algo que él mismo afirmó: Litchenstein debe al comic los elementos de su estilo, pero no los temas. Él quiere mostrar de la forma más objetiva posible que el cine, la televisión, la publicidad, incluso el comic, han desgastado fenómenos naturales como una puesta de sol o una persona llorando. Es decir, los medios de comunicación han difundido una imagen estereotipada de ciertas emociones de forma que han terminado por hacerlas superficiales. Emulando este proceso, Litchenstein consigue ponerlo al descubierto. Así, al mirar una imagen sacada del comic o de un anuncio publicitario en otro contexto diferente, percibimos algo totalmente distinto: somos conscientes de un nuevo significado visual. Al extraer al modelo de una serie de viñetas, se pierde el desarrollo lógico y narrativo y la escena adquiere otra naturaleza. Litchenstein procede de un modo analítico para mostrar la pintura como lo que es o lo que puede ser. Con sus provocativos cuadros que no dicen nada diciéndolo todo, el newyorkino devuelve a la sociedad de masas su experiencia y percepción superficiales y tipificadas.

Jasper Johns: Impulsor del Arte Pop junto con Rauschenberg, nace en 1930 en Augusta (Georgia, en EE.UU), pasando su infancia en Carolina del Sur. A los dieciocho años debe ir a cumplir el servicio militar a Japón. Luego estudia en la universidad de Carolina del Sur y más adelante trabaja como librero en Nueva York, ciudad donde decora vidrieras junto a Robert Rauschenberg. Su primera exposición individual tiene lugar en 1948, ese mismo año, participa en la Bienal de Venecia y obtiene el premio internacional, que volvería a recibir de nuevo treinta años después. A partir de 1960 trabaja en litografías, realizando presentaciones en Europa y siendo premiado de nuevo, esta vez en la antigua Yugoslavia. Hasta 1972 es consejero artístico del compositor John Cage y del bailarín Merce Cunningham. Sus cuadros más populares sean tal vez los de banderas, los de mapas y los de dianas. Sus forma de ver el arte es la de reducir a “lo esencial”, evitando que el significado de aquello que contempla sea manipulado por sus propias expectativas, prejuicios o conocimientos. Johns no quiere que los cuadros descubran sus sentimientos, sino que vivan por sí mismos. Siguiendo esta idea, hace protagonistas de sus cuadros elementos tan comunes como la bandera estadounidense, de la que realiza distintas variaciones para mostrar con ello que la percepción nunca percepción nunca permanece igual. Son también famosos su assemblages de máscaras de yeso, cucharas, sillas... que lo vinculan directamente con el arte de su amigo, el artista Rauschenberg, que durante un tiempo pintó en un taller vecino al suyo. ¡Jasper Johns es uno de los artistas pop favoritos de Alex ex – Flechazos, Cooper!

Mel Ramos: este artista vio la luz por vez primera en Sacramento, California, allí estudió y luego se dedicó a la enseñanza. Tras los artistas newyorkinos, fueron especialmente los californianos quienes fomentaron el Arte Pop en los Estados Unidos. En los años 62 y 63 pinta una serie de óleos que representa llamativos super-héroes de los comics. A partir del 65 desarrolla una particular iconografía que combina las imágenes de las chicas desnudas de las revistas y los anuncios con las de artículos corrientes, reflejando la ligereza, frivolidad, colorido y sensualidad que muchas veces se ha vinculado a la mentalidad de la Costa Oeste. Pero no nos engañemos, detrás de esta aparente superficialidad pictórica se encuentra una mente pensante que sabe muy bien utilizar el arte para hablarnos de la sociedad en la que vivimos. Desde 1980, Mel Ramos es catedrático de pintura en la California State University de Hayward.

Andy Warhol: el más famoso de los artistas pop nace en 1939 en Pittsburgh, sus padres son emigrantes eslovacos. Del 45 al 49 se dedica a estudiar diseño, historia del arte, sociología y psicología en su ciudad natal y después se marcha a Nueva York. Allí trabaja para Vogue, decora escaparates y hace dibujos publicitarios para una empresa de calzado. En 1952 tiene lugar su primera exposición individual en Nueva York. Tras esta experiencia, se tiñe el pelo de rubio y se traslada de casa con su madre y un montón de gatos. Las excentricidades del genio no han hecho sino empezar. A partir del 60 pinta sus primeros cuadros basados en imágenes del cómic y el cine... y en 1962 realiza serigrafías de billetes de dólar, botes de sopa Campbell´s, Marilyn Monroe, etc. Más adelante, comienza las series de catástrofes: “Car Crash”, “Suicide” y “Electric Chair”. Desde este año al 64, realiza más de 2000 cuadros en la “Factory”, Warhol se convierte en una máquina productora del arte de lo banal y lo cotidiano. Warhol convierte en Arte todo lo que toca, porque él ve arte en todo, ya sea una lata de cerveza, unas flores, Elvis o Lennon, iconos que representa una y otra vez. Todas las características del arte pop descritas en esta pequeña guía pueden aplicársele. Pero Warhol no se limita al arte bidimensional de la pintura y la serigrafía sino que también hace de las suyas en el mundo cinematográfico: las películas “Sleep” (6 horas) y “Empire” (8 horas), las rodadas con la Velvet Underground o “Flash”, en la que trabaja con Paul Morissey son prueba de ello. Además, Warhol escribe la novela “a” y también expone sus teorías artísticas en algunas revistas como “Intervew”, de la que es coeditor. Durante los 70 y los 80, Andy expone por Europa y continúa pintando (autorretratos, entre otras cosas). Una de las fechas más tristes para el Arte Pop es 1987, año en el que Warhol muere de sida. En su testamento dispone la creación de una fundación para el fomento del arte.

Pequeña GALERÍA POP:

WARHOL:

Litchenstein: